« Je suis en plein tourbillon avec un enfant de deux ans », dit Miriam Fernandes en riant à l’idée de vivre avec un tout-petit. « J’essaie de m’adapter à ma vie d’artiste avec un petit être turbulent à mes côtés, qui m’apporte aussi énormément de joie et d’amour… »
Miriam Fernandes jongle avec plusieurs rôles : mère, créatrice, metteuse en scène, interprète et codirectrice artistique du Why Not Theatre, où elle travaille aux côtés de Ravi Jain, Lauréat du Prix Siminovitch, qui l’a choisie comme « Protégée » pour 2025. Au milieu de cette joyeuse agitation, elle affirme que le fait de faire partie de la communauté Siminovitch lui a apporté une certaine sérénité intérieure et de la confiance en soi, ainsi que le sentiment qu'elle “n'a pas besoin de toujours me regarder vers les autres”. Cet honneur a également constitué une reconnaissance bienvenue de ses multiples contributions, alors qu’elle s’éloigne du métier d’actrice pour se concentrer sur la mise en scène.
Née et élevée à Toronto, Fernandes a toujours été une artiste qui « chevauche les frontières et ne se limite pas à une seule discipline ». Après des études à l’Université York, elle a suivi une formation au SITI theatre à New York, puis s’est inscrite à la célèbre Ecole Internationale Jacques Lecoq en France. Elle attribue à Lecoq le mérite de lui avoir fait découvrir une vision holistique de l’artiste, citant ses propres mots : « Je veux que mes élèves soient des créateurs de théâtre rigoureux et qu’ils vivent la vie avec passion. Sa formation continue de l’inspirer aujourd’hui. « Lecoq s’intéressait à la poésie du corps », explique-t-elle, « cela a ouvert la voie à ma façon de travailler en tant que metteuse en scène et créatrice, et m’a aidée à puiser dans quelque chose qui dépassait la pensée logique de mon cerveau gauche. »
Cette expérience précoce a également éveillé en elle un intérêt pour le théâtre qui transcende les langues et les cultures. Travailler dans une langue autre que sa langue maternelle éveille de nouvelles sensibilités, explique-t-elle, et permet de plonger au-delà de la surface du texte. « Il y a le rythme, la dynamique émotionnelle, la dynamique des personnages… [En tant que metteuse en scène], cela me permet de découvrir le véritable moteur de la pièce d’une manière plus viscérale. »
Elle raconte un exemple inspirant, survenu lors d’une lecture-atelier de An Enemy of the People de l’auteur norvégien Henrik Ibsen, au théâtre Den Nationale Scene de Bergen, où elle occupe toujours un poste de metteuse en scène. Lorsque les textes ont été distribués autour de la table, elle a été surprise de découvrir que l’original était rédigé en danois, et non en norvégien – ou plutôt en dano-norvégien, un dialecte hybride né de l’influence culturelle séculaire du Danemark sur la Norvège. « À cette époque, je me débrouillais en norvégien, mais je ne parlais pas du tout le danois », explique-t-elle. Les acteurs, eux, savaient lire le danois; ils ont donc décidé de poursuivre. « Cela a donné lieu à une dynamique tout à fait différente et à un humour fidèle à la pièce. » Tous les Norvégiens autour de la table riaient aux éclats, et je me suis dit : “Ouah, je ne savais pas qu’Ibsen était si drôle.” J’écoutais d’une oreille différente. J’écoutais de tout mon corps. »
Le travail multilingue reste un fil conducteur dans l’œuvre de Fernandes. Lors d’une récente exploration de l’œuvre de l’auteure coréenne Han Kang, le personnage du mari a suscité de vives réactions négatives de la part des actrices non coréennes présentes dans la salle, mais les deux actrices coréennes ont estimé que la traduction ne rendait pas justice à l’original. Fernandes leur a donc demandé d’improviser une scène en coréen. « Leur corps tout entier s’est transformé », se souvient-elle. “Nous étions tous touchés par ces deux personnes qui vivaient une relation compliquée. Et c’était incroyable de voir cette dynamique changer immédiatement, alors que ces deux personnes communiquent dans une autre langue et qu’aucun d’entre nous ne parlait coréen. »
Fernandes est fasciné par le drame qui se joue à la croisée de la langue, du corps et du récit. C’est ce qui l’a soutenue tout au long des quelque dix années pendant lesquelles elle, Ravi Jain et leurs nombreux collaborateurs ont travaillé à l’adaptation théâtrale du The Mahabarata, une épopée de l’Inde antique considérée comme l’un des plus longs poèmes jamais écrits. « La COVID a vraiment prolongé ce parcours », se souvient-elle, « d’une manière très bénéfique pour le projet, en fait, mais d’une manière douloureuse pendant que nous y étions plongés. »
La pièce de théâtre en deux parties, acclamée par la critique, qui en a résulté intègre de nombreux styles musicaux, plusieurs langues, diverses formes de danse et des techniques narratives allant de la marionnette à la vidéo. Elle a été présentée en première au Shaw Festival de Niagara-on-the-Lake en 2023, puis a été jouée à Toronto, à Perth et au Barbican de Londres, avant de terminer sa tournée en 2025 au Lincoln Centre de New York. Comme à son habitude, Fernandes a endossé plusieurs rôles. Elle en a été la co auteure, a incarné le personnage de la conteuse et a poursuivi son travail au sein de la compagnie de production Why Not Theatre, où, comme elle le dit en plaisantant, elle a occupé presque tous les postes au moins une fois.
« J’ai trouvé une sorte de réconfort pendant les dernières années passées à écrire le Mahabarata », se souvient-elle. « Le monde a tellement changé, mais l’histoire est restée la même. C’était un point d’ancrage. » Le fait d’avoir consacré tant d’années à un récit ancien et tentaculaire, puis de l’avoir partagé, soir après soir, avec des publics aussi variés à travers le monde, lui a montré à quel point les questions immémoriales soulevées par l’œuvre restent d’actualité aujourd’hui. Comment nous libérer de nos haines, de notre colère, de notre soif de vengeance, demande-t-elle. Comment, ensemble, trouverons-nous véritablement la paix?
Fernandes recherche cette universalité dans chacun de ses projets. Pour elle, c’est là le cœur même de l’acte théâtral : rassembler les gens, au-delà des différences, à une époque où les divisions ne cessent de s’accentuer. Le théâtre, dit-elle, est « une rupture dans l’imaginaire. Ça change ce que tu crois possible dans le monde. »
Maintenant que Mahabarata est terminé, elle, Jain et la compagnie Why Not Theatre se demandent quelles histoires il faudra raconter ensuite pour « guérir notre époque et nous inspirer à changer véritablement notre façon de vivre ». « Nous sommes de retour dans l’espace vide », dit-elle en citant le légendaire artiste de théâtre Peter Brook.
En effet, l’espace au sens littéral est l’un de leurs sujets brûlants, dans un secteur où la flambée des coûts peut freiner la prise de risques artistiques et étouffer le soutien institutionnel à la prochaine génération de créateurs. « Les dépenses sont devenues trop élevées », dit-elle. « Nous sommes des créateurs de théâtre qui n’avons plus les moyens de faire du théâtre dans les salles que nous gérons. » C’est pourquoi, chez Why Not, ils prennent le temps de réfléchir à de nouvelles orientations, non seulement pour leur propre programmation, mais aussi pour l’ensemble du secteur.
Le temps est une autre denrée rare dans notre modèle théâtral conventionnel, nous en convenons, avec ses longues heures de travail, ses rares jours de congé et un processus de production souvent marqué par le stress et la précipitation. « Nous avons perdu tellement de gens au cours des cinq ou six dernières années, à la sortie de la pandémie de Covid », souligne Fernandes. Elle ne peut s’empêcher de comparer cette situation à celle de Bergen, où les journées de répétition sont plus courtes, où le congé de maternité est une évidence et où tout le monde a droit à des vacances d’été. Mais cela va au-delà des simples conditions de travail, explique-t-elle. Il s’agit d’une approche plus holistique de la vie. « Cet endroit-là sent la mer », dit-elle. « On ne peut s’empêcher d’être en lien avec la nature… [on] se rappelle que les histoires qu’on raconte ne sont qu’un fil parmi une immense tapisserie d’histoires dont ces montagnes et ces arbres ont été les témoins. »
Pendant ce temps, chez elle, Fernandes profite pleinement de cette période de réflexion et de recherche, une étape importante, mais souvent négligée, du cycle créatif. « Je suis dans une phase où je sème des graines », dit-elle. « Et on ne sait pas quelles graines vont pousser, ni lesquelles vont échouer. Je suis ravi, juste de me retrouver dans cette phase de découverte. »