Je tiens à remercier de tout cœur le Dr Siminovitch, M. et Mme Comper, les fondateurs du Prix Siminovitch, les membres du jury, Jacoba Knappen, Andrea Lundy, John Van Burek, Blair, Andrew, Joanne, ainsi que tous les employés de BMO et en particulier les organisateurs de cette soirée. Cet honneur a une grande signification pour moi et pour ma communauté, mais c’est surtout ma mère qui en est le plus touchée.

Enfant, j’ai exprimé un jour le vœu de devenir actrice. Ma mère, qui avait suivi une formation parentale, savait exactement ce qu’il fallait dire pour m’encourager à réaliser mes rêves tout en poursuivant des études en éducation. Mon père n’était pas aussi initié et se contenta de répondre par un laconique « hum… ». J’ai donc suivi son conseil et abandonné l’idée de devenir institutrice. Ma mère m’a lancé un regard scrutateur, puis a conclu : « D’accord, fonce! »

Cette année-là, j’ai rencontré Gordon Jones, directeur d’un théâtre d’été qui jouait du Shakespeare. Je lui ai lancé, sur un ton à moitié sérieux : « Et si vous me laissiez mettre en scène la pièce? ». Ce à quoi il a répondu tout simplement : « Non. » Puis, il a pris son gros trousseau de clés et m’a fait signe de le suivre. Nous sommes descendus dans les loges et il m’a dit : « Tu peux t’installer ici pour travailler avec les comédiens. » Je me souviens l’avoir dévisagé d’un air incrédule, comme s’il venait de me donner un million de dollars. « Eh bien? Qu’attends-tu? », m’a-t-il dit. C’est ainsi que j’ai été l’assistante du metteur en scène des pièces de Shakespeare jouées par le théâtre d’été pendant six ans.

Tout cela pour vous dire que j’ai suivi le conseil de mon père et que je me suis inscrite à l’école de théâtre, ici à Toronto, sur la rue Steeles. Pendant ma formation, Chris Tolley et moi-même avons écrit une pièce intitulée « In Your Dreams, Freud », une satire musicale sur les doctrines qui nous étaient enseignées, dans laquelle nous tournions en dérision la psychologie moderne, Aristote, l’amour, les succès de Broadway et l’école de théâtre elle-même. Nous étions très fiers de nous. Nous sommes allés voir les directeurs de programmes pour leur présenter notre projet. Ils nous ont dit : « Vous devrez le produire en dehors des heures de cours. » « Aucun problème », avons-nous répondu. « Oui, mais l’ennui, c’est que vous n’avez pas de temps libre en dehors des cours. » Nous ne nous sommes pas laissés décourager pour autant. Devant notre détermination, ils nous ont dit : « Officiellement, ce n’est pas une bonne idée. Mais voici les clés du théâtre. Débrouillez-vous! »

Après avoir obtenu mon diplôme, j’ai cherché à m’intégrer à une troupe de théâtre professionnelle. J’ai donc harcelé Lois Brown, qui est ici ce soir et qui a été nommée parmi les finalistes de ce prix. Lois dirigeait le Resource Centre for the Arts, qu’on appelait le « Hall ». C’était une femme très occupée, mais je l’ai assaillie de coups de téléphone et de visites pour obtenir un emploi d’été, jusqu’à ce qu’elle me dise : « Bon, qu’est-ce que vous voulez faire? » Je lui ai alors répondu : « Je voudrais monter un grand spectacle de cabaret qui réunirait sur la même affiche tous les membres de la communauté artistique de St. John’s, les plus connus et les nouveaux talents. Le spectacle porterait chaque soir sur un thème différent et nous servirions un dîner sur ce même thème. À la fin de la saison, nous pourrions payer tous les artistes, ne serait-ce qu’une somme symbolique. » Lois m’a donné le feu vert et à la fin de l’été, nous avons envoyé des chèques de 17 $ à tous les participants. Lois, je tiens à te dire combien je suis fière d’être à tes côtés parmi les finalistes de ce prix, et heureuse de pouvoir t’exprimer ma gratitude en public ici, car tu as été un mentor pour moi. Je te remercie du fond du cœur et je me considère très chanceuse d’avoir réussi à te forcer à m’engager.

Je suis donc restée au Centre près de sept ans. Lois était déterminée à poursuivre le projet du cabaret et surtout à y attirer les artistes de la relève. J’ai alors sorti de mes tiroirs la pièce « In Your Dreams Freud ». Nous l’avons produite et l’équipe de production l’a reprise une deuxième, une troisième et une quatrième fois, puis au cours d’une brève tournée. Cette équipe est ensuite devenue la compagnie Artistic Fraud of Newfoundland, celle dont je suis toujours la directrice artistique.

Pendant que j’étais au Centre, j’ai rencontré plusieurs des membres de la nouvelle troupe Artistic Fraud, dont Ann Brophy. Toutes les compagnies de théâtre qui réussissent s’appuient sur une personne comme Ann. Qu’elle s’appelle Mallory, David, Gaylene, Sherrie, ou qu’elle soit à la direction générale ou à la production, son rôle est essentiel. On pourrait croire que le plus grand mérite d’Ann est sa capacité d’équilibrer un budget à un cent près, mais sa qualité première, c’est de pouvoir dire : « C’est un projet difficile. Voyons comment nous pourrons le réaliser… » Notre Ann est une visionnaire, qui conjugue parfaitement expansion et viabilité. Je lui suis très reconnaissante.

Nous travaillons actuellement sur une forme théâtrale que nous avons baptisée la « kaléidographie », comme dans « kaléidoscope ». Pour notre première production, nous avons choisi la fugue de Bach en sol mineur, vous savez « la la la la ». Cette fugue se compose d’une phrase musicale, qui se subdivise en deux, puis en trois, puis en six phrases. Au lieu d’appliquer des valeurs tonales à ces phrases, nous y avons associé une action en respectant la courbe harmonique et les valeurs temporelles. Nous avons créé un scénario basé sur l’histoire d’un groupe d’écoliers qui trichent à un examen de maths. Nous avons remplacé l’harmonie des notes par l’harmonie de l’action. Il s’agissait donc de projeter les dialogues sur le découpage musical. Il nous fallait pour cela un groupe assez nombreux pour créer les différents tableaux correspondant aux motifs musicaux. D’après notre grille, cela faisait au moins 81 acteurs. J’ai donc eu l’idée de m’adresser aux responsables du Sound Symposium de St. John’s : « Je ne sais pas si ça va marcher, mais que diriez-vous de participer… ». Je leur ai exposé le projet que je viens de vous décrire. Ils n’ont pas hésité et se sont lancés dans l’aventure.

Nous avons alors entrepris d’élaborer ce concept et de le concrétiser sous différentes formes théâtrales et visuelles basées sur les règles mathématiques de la musique. Après avoir mis en scène quelques productions de ce genre, j’ai rencontré Norman Armour, du Rumble Theatre, à l’occasion d’une conférence de la PACT (Professional Association of Canadian Theaters). Je crois que nous nous étions retrouvés tous deux au bar après nous être discrètement éclipsés d’une discussion animée entre l’Equity (Canadian Actors’ Equity Association) et la PACT. C’est là qu’il a tenté de m’apprendre à jouer au snooker. Le jeu m’ayant laissée perplexe, j’ai plutôt entrepris de lui expliquer le concept de la kaléidographie et de lui présenter le nouveau spectacle que nous avions monté, Under Wraps, ainsi que notre version de Jesus Christ Superstar, pour laquelle nous avions composé des tableaux visuels et scéniques basés sur la partition originale. Je me souviens que Norman avait trouvé l’idée très amusante, mais trois mois plus tard, il me faisait venir à Vancouver pour présenter ma recherche. C’était la première fois que je communiquais la teneur de nos travaux. Six ans plus tard, je suis encore abasourdie et perplexe en pensant à l’acte de foi que Norman a fait en m’invitant à Vancouver. Et je suis toujours aussi abasourdie et perplexe devant le snooker…

Les actes de foi ont ensuite jalonné ma carrière : des jurys et administrateurs du Conseil des Arts aux producteurs de théâtre itinérant. Pour notre première tournée professionnelle, cinq compagnies nous ont accueillies aux quatre coins du pays. À l’époque, ces compagnies n’avaient aucune raison de me faire confiance ou de miser sur Artistic Fraud, un nom difficile à monnayer en contrats, notamment pour une production de théâtre expérimental dans laquelle 24 acteurs incarnent une symphonie. Mais elles ont dit : « D’accord, si vous vous chargez des déplacements, nous produirons le spectacle. » Nous avons dû faire jouer toutes nos relations – politiques, familiales, etc. – et nous adresser à des gens que nous ne connaissions pas et qui n’avaient jamais entendu parler de nous. Nous avons été photographiés avec le ministre de la Culture, des loisirs et de la jeunesse, à l’occasion de la remise d’un chèque de subvention du ministère qui regroupe aujourd’hui les loisirs, la jeunesse, les mines, les pêcheries et la culture. Nous l’avons ensuite supplié d’être notre porte-parole auprès des compagnies pétrolières. Il nous restait à peine un mois pour réunir les fonds nécessaires et nous avions signé 24 contrats pour une tournée de cinq semaines. Il nous manquait 27 000 $ sur un budget total de 140 000 $. Une semaine plus tard, nous avons dû rayer le Yukon de notre itinéraire. Trois semaines avant notre départ pour Calgary, il nous manquait encore 16 000 $. Notre organisateur a réduit nos réservations d’hôtel d’un tiers en nous regroupant à trois par chambre. Nous avions encore un trou de 8 000 $ à combler une semaine avant Noël et deux semaines et un jour avant le décollage de notre avion, avec ou sans nous à bord. Les idées fusaient : « Laissons tomber les fourgonnettes de location… Découpons les décors et répartissons-les dans les bagages des comédiens… Coupons les honoraires des metteurs en scène, des régisseurs et des auteurs… Ah, c’est déjà fait… Et ainsi de suite… » Puis un appel de Petro-Canada. Joyeux Noël!

Tous les artistes sur lesquels j’ai pu compter pour monter ces productions ont fait preuve d’une foi inébranlable. « Euh, que diriez-vous si nous remplacions tout le texte de La Mouette, de Tchekov, par les instruments d’un quatuor à cordes, et si chacune des répliques interprétées par les acteurs était suivie d’une imitation tonale par un violon ou un violoncelle, qui finirait par remplacer la voix de l’acteur, démontrant ainsi l’importance de la musique dans le sens du langage… » « Euh, pourquoi pas. » « Oui, euh, que pensez-vous de l’idée de jouer devant une série de panneaux figurant les ombres des acteurs, ces ombres étant en fait d’autres acteurs qui imitent ceux qui se produisent sur scène. Lorsque ces derniers mentent, les ombres divergent… » « OK. » « Et si on plaçait les acteurs dans une cabine et qu’on distribuait leurs rôles à des spectateurs qui seraient reliés à eux par des écouteurs, et si les répliques des spectateurs/acteurs étaient chronométrées de manière à ce qu’ils découvrent la trame de la pièce au fur et à mesure qu’ils la jouent? » « Bon, allons-y! »

Je ne sais comment exprimer ma reconnaissance à ces acteurs, musiciens, concepteurs, régisseurs et techniciens pour leur ouverture et leur confiance à mon égard. Il faut dire que parfois, les idées ont l’air complètement farfelues, mais ces artistes me suivent jusqu’au bout. J’ai aussi eu la grande chance de travailler à l’extérieur avec des groupes généreux et ouverts tels que les compagnies Sheila’s Brush et Theatre Newfoundland Labrador. Tous les artistes que j’ai ainsi eu l’occasion de rencontrer ont contribué à l’élaboration de futurs projets : les questions qu’ils posent trouvent leurs réponses dans les prochaines productions.

J’aimerais souligner la contribution spéciale de deux membres de ce groupe d’artistes. Tout d’abord celle de Robert Chafe. Nous avons grandi, Robert et moi, dans la même petite ville de Terre-Neuve, mais ne nous sommes jamais rencontrés parce qu’il est protestant et que je suis catholique et que dans les années 70, ces communautés étaient les deux solitudes. Nous avons eu l’occasion de travailler ensemble et ne nous sommes jamais séparés depuis. Les idées de Robert sont les étincelles qui font briller les notions frivoles qui me viennent à l’esprit et les mettent en chantier. En toute équité, je devrais scier le trophée en deux et en donner la moitié à Robert, mais comme il partage aussi ma vie, le trophée est à l’abri. Robert est un génie. N’en profite pas pour me citer lorsque je te demanderai de couper un scénario! Je t’aime, chéri. Ce trophée t’appartient aussi.

La deuxième personne que j’aimerais vous présenter est une autre metteure en scène qui contribue à la réalisation de ces projets et qui recevra le prix de 25 000 $. Récemment diplômée du programme de mise en scène de l’École nationale de théâtre, elle a déjà lancé deux compagnies à Terre-Neuve. Elle a été la première étudiante de sa spécialité admise au Stratford Festival Conservatory. Brillante productrice, elle a été le cerveau de la tournée dont je vous ai parlé. Elle enseigne à l’École nationale de théâtre et ses étudiants ont pour elle une grande estime. Elle a été mon assistante et metteure en scène adjointe pour plusieurs de nos productions. Cette femme m’a appris énormément sur le métier d’acteur et d’auteur dramatique, mais elle m’a surtout donné une leçon inestimable. J’ai traversé des moments difficiles ces dix dernières années, je le reconnais. Des moments où j’ai envisagé de tout laisser tomber. Cette femme n’a jamais renoncé et je l’ai souvent observée en me disant : « Eh bien, si elle est assez forte pour faire face, moi aussi. » Elle est guidée par une brillante étoile : sa foi en un théâtre qui crée l’événement. Un théâtre qui crée l’événement. C’est une personne à qui je peux dire en toute confiance : « D’accord, fonce! » Mesdames et messieurs, j’ai le plaisir de vous présenter Danielle Irvine.

Tout d’abord, permettez-moi d’exprimer ma profonde gratitude envers les fondateurs du prix Siminovitch. Merci à vous, Lou, ainsi qu’à la regrettée Elinore Siminovitch. Votre travail a inspiré ce prix si unique, si généreux et si prestigieux.

Merci à BMO groupe financier, qui parraine ce prix, et à ses employés qui organisent cette soirée. Un merci tout spécial à Andrew Soren.

Toute ma gratitude va également aux membres du jury : Leonard McHardy, Geneviève Billette, Katrina Dunn, Valerie Moore et Carlo Guillermo Proto. Je tiens à remercier particulièrement Carlo Guillermo Proto et Geneviève Billette, qui ont travaillé très fort pour réaliser le document vidéo que vous venez de voir.

Je voudrais bien sûr remercier Paul Lefebvre, qui a présenté ma candidature et l’a fait de façon si éloquente et si généreuse.

Enfin, permettez-moi de remercier mon compagnon Stéphan, qui m’a si souvent manifesté amour, présence et soutien depuis plus de quinze ans. Sans son accompagnement, sa fierté vis-à-vis de mon travail et ses encouragements dans les moments les plus difficiles, je ne serais probablement pas ici ce soir.

Quand on m’a annoncé que j’étais la lauréate, j’en ai perdu le sommeil pendant toute une semaine ! Ce prix signifie en effet énormément pour moi.

Il m’honore et il honore toutes les communautés qui m’ont donné amour et soutien au cours de mes trente années de travail artistique : toute la communauté franco-ontarienne bien entendu, celle d’Ottawa, d’Hawkesbury, de Rockland, de Timmins, de Hearst et bien sûr celle de Sudbury, et plus particulièrement celle autour du théâtre du Nouvel-Ontario, mais aussi la communauté de Toronto où nous avons joué en anglais la pièce « Le Chien ». Je n’oublie pas la communauté franco-canadienne dans son ensemble, au sein de laquelle j’ai été si souvent active.

Enfin, je remercie la communauté de Montréal, de Québec et du Québec en général. Je leur dédie ce prix, ainsi qu’à tous ceux qui, comme vous ici ce soir, croient que l’art, s’il ne change pas le monde, du moins brise le silence assourdissant de la solitude.

D’aussi loin que je me souvienne, le théâtre a fait partie de ma vie.

Très jeune, j’ai eu à titre de spectatrice des chocs esthétiques puissants. Je me rappelle celui occasionné par le Marat-Sade que Peter Brook avait mis en scène en 1963; le spectacle, que je n’avais probablement pas compris, m’a tout de même percutée de plein fouet. Je me souviens aussi du 1789 d’Ariane Mnouchkine, qui m’a fait flotter sur un petit nuage brûlant durant des semaines.

Depuis, je ne compte plus les émotions fortes que j’ai vécues dans une salle de théâtre, ici ou ailleurs.

Le théâtre me fait l’effet d’une coupure, d’une brûlure, d’un coup de poing, d’un coup de fouet. Le théâtre me stimule, me bouscule et peut même m’enrager.

Le théâtre m’a toujours donné le goût de vivre, de créer, de me tenir debout et de me battre. Bref, le théâtre m’inspire tous les sentiments sauf celui du confort.

J’ai appartenu dès l’enfance à des troupes de théâtre amateurs, scolaires et communautaires. Et pourtant, je n’ai jamais imaginé faire de la mise en scène. En fait, j’ignorais quand j’étais jeune que la mise en scène puisse être un métier !

(Et aujourd’hui encore, je doute encore parfois que cela en soit un !)

Dans le milieu familial où j’ai grandi – mes parents n’avaient reçu qu’une éducation sommaire – il ne pouvait être question de vie artistique ou intellectuelle. De plus, j’appartiens à une des premières générations de femmes qui ont eu accès à une éducation supérieure.

De plus, j’appartiens à une des premières générations de femmes qui ont eu accès à une éducation supérieure.

Faire du théâtre pour gagner (plus ou moins bien) sa vie, se définir comme une artiste, m’apparaissait donc comme à la fois complètement mystérieux et totalement inaccessible.

En fait, probablement grâce à des enseignants formidables qui savaient partager leur passion des mots, je fus éveillée très tôt à la littérature et mon fantasme secret à l’adolescence fut peut-être d’espérer devenir une Simone de Beauvoir, pour ses livres, son intelligence et peut-être aussi pour ses ongles carmin, ses cigarettes et sa fréquentation de Jean Paul Sartre et de St-Germain-des-Prés !

Peut-être que, déjà, c’était la nécessité de dire qui m’animait. En tous cas les mots, les idées ont été le substrat de ma vie artistique.

Les mots des écrivains et des poètes, de William Faulkner à Antonin Artaud, de Flannery O’Connor à Krista Wolf, de Marcel Proust à Carson McCullers, de Sylvia Plath à Margaret Atwood, d’Ingeborg Bachmann à Michaël Ondatje, de Jean Marc Dalpé à Louise Dupré. Ces mots-là et ceux des écrivains de théâtre, bien sûr. Mais quand je fais du théâtre, je recherche avant tout la littérature et la poésie.

Je ne me souviens pas du tout comment je me suis retrouvée à l’Ecole de théâtre de Jacques Lecoq. J’avais déjà près de 25 ans et des études universitaires derrière moi…

Je ne sais pas ce que j’y cherchais. En tous cas certainement pas à faire une carrière dans le sens traditionnel du mot.

Je n’avais pas non plus imaginé mon avenir après l’école. Je ne savais ni à quelle porte frapper, ni comment me présenter (« Bonjour, je sors de l’école, puis-je faire la mise en scène de votre prochain spectacle à l’affiche ? »). Ni qu’il faudrait quitter mon pays d’origine pour que le théâtre puisse devenir toute ma vie.

Le choc qu’a représenté pour moi le premier contact avec la communauté artistique franco-ontarienne fut immense. À l’époque (en 1977) le théâtre était intimement lié à un projet global, sociétal. Il était lié à une prise de parole collective. Nous avions l’impression d’avoir le ciel ouvert devant nous, et comme l’écrit le poète Robert Dickson, hélas trop tôt disparu, notre paysage était celui de son poème :

Au nord de notre vie, Ici Où la distance use les cœurs pleins De la tendresse minerai De la terre de pierre De forêts et de froid

Nous Têtus, souterrains, solidaires Lâchons nos cris rauques et rocheux Aux quatre coins de l’avenir possible

Il s’agissait de dire, de donner la parole à ceux qui ne l’ont pas, de mettre en scène des personnages qui appartiennent à la race des oubliés. Il s’agissait de nommer le pays, les gens, de leur donner fierté et confiance.

Nous avons passé énormément de temps dans les communautés ouvrières d’Hawkesbury et de Sudbury, à rencontrer des travailleurs et des travailleuses du textile et de la mine, à écouter leurs histoires pour les écrire et les mettre en scène.

Je faisais la mise en scène des spectacles que nous écrivions, mais je la faisais un peu par défaut, comme si personne d’autre ne voulait le faire. Ce qui m’importait à l’époque, c’était, et c’est toujours, la simple nécessité de dire et d’exprimer un monde et de le partager avec quelqu’un, quelques-uns, un public, quoi.

Depuis, certes, nous ne sommes plus à l’époque où il semblait indispensable de se nommer et de se mettre en scène comme collectivité. Depuis, j’ai porté à la scène bien des textes d’origines très diverses, de Camus à Beckett, de Feydeau à Koltès. J’ai travaillé dans bien des théâtres, des petits et des grands. Depuis, j’ai quitté l’Ontario pour Montréal, le Théâtre du Nouvel-Ontario pour la NCT, puis les institutions pour la liberté.

J’ai fondé il y a dix ans la compagnie Sibyllines pour porter à la scène des textes contemporains de nature théâtrale ou littéraire, et faire entendre d’autre voix. Pour pouvoir le faire dans les meilleures conditions artistiques possibles. La qualité du processus de création m’apparaît aussi fondamentale que son résultat.

Au cours des années, et peut-être encore plus dans le contexte de liberté que me permet Sibyllines, la mise en scène est devenue ainsi pour moi une forme d’écriture. A travers les mots des autres ou à travers les silences qui me sont laissés.

Aujourd’hui, j’aime plus que tout faire entendre le silence. Le silence des écrivains et des écrivaines qui ont payé de leur vie leur combat avec les mots : Sylvia Plath, Ingeborg Bachmann, Virginia Woolf.

Le silence entre les mots, celui des corps. Le silence de l’impuissance, le silence de la violence.

Il me semble en effet que le théâtre est, de façon totalement paradoxale, autant le lieu du silence que celui de la parole. Un des seuls lieux où l’on peut encore penser en collectivité.

Après trente années de travail actif, la mise en scène me paraît toujours un énorme privilège. Privilège de faire circuler dans l’imaginaire collectif des mots et des signes qui ouvriront peut-être le cœur du public, et donneront peut-être matière à réfléchir sur le monde dans lequel nous vivons.

Privilège d’avoir avec le public une relation si fructueuse et si enrichissante.

Privilège de me retrouver dans une salle de répétitions en compagnie de livres, de textes, d’acteurs et de concepteurs, dans une atmosphère incroyablement intense de partage et de solidarité. D’avoir le plaisir de discuter, de fouiller des textes, de chercher la meilleure façon de les représenter sur scène. De chercher avec les interprètes pendant des heures le meilleur geste, le meilleur mouvement.

Permettez-moi de saluer ici tous les artisans, concepteurs, acteurs, qui ont partagé ma route depuis trente ans, et plus particulièrement encore depuis dix ans. Tous ceux et celles qui ont mis leur talent, leur énergie et leur disponibilité à servir des œuvres, des projets en toute confiance et tout abandon.

Mais ce privilège et cette liberté ont un prix, et il est très élevé, je ne le cacherai pas. Nous vivons dans un pays où l’art disparaît des préoccupations publiques et gouvernementales. Nous vivons dans un pays qui calque parfois son fonctionnement et ses préoccupations sur celui du grand voisin, et qui abandonne ses responsabilités de développement et de soutien des artistes aux lois du marché ou aux aléas du financement privé.

Dans ce pays, très peu d’individus peuvent vivre de leur art, et bien sûr, bien peu peuvent vivre de la mise en scène. Pour pouvoir ne m’adonner qu’exclusivement au théâtre, j’ai dû comme bien d’autres faire des choix, parmi lesquels celui de diriger une compagnie, de porter seule de nombreuses responsabilités, de l’écriture des communiqués de presse à la comptabilité, en passant par la recherche de fonds et d’autres activités toutes plus créatives les unes que les autres.

Devant la somme de travail à accomplir afin de pouvoir mener à bien tous les projets que j’entreprends, devant le prix à payer pour avoir le privilège d’être une metteure en scène qui choisit ses aventures, il m’arrive de me sentir découragée et épuisée. Il m’arrive aussi de me sentir étouffée.

Un prix comme le prix Siminovitch est un formidable stimulant, un formidable encouragement, à la fois symbolique et matériel. Peut-être encore plus intense quand cet encouragement arrive au mitan de la vie, au moment où l’on est à maturité et en pleine possession de ses moyens artistiques.

Souhaitons que les gouvernements provinciaux et fédéral assument leurs responsabilités avec la même ferveur que le font les généreux donateurs que vous êtes.

Il nous appartient – à nous tous – de revendiquer une juste place pour l’art, pour le théâtre, pour l’écriture, pour la dramaturgie et pour la création, afin de nous permettre, comme collectivité, de conserver l’espoir d’une société plus juste et plus humaine, plus solidaire, plus ouverte et plus intelligente.

Un des merveilleux aspects du Prix Siminovitch, c’est la possibilité de parrainer des individus ou des groupes dont on peut ainsi saluer le talent. Cette possibilité est d’autant plus importante que l’époque que nous vivons est particulièrement périlleuse pour tous les talents émergents. Aujourd’hui, l’accès aux ressources pour les jeunes créateurs est en grande partie bloqué. C’est extraordinaire de pouvoir jouer la fée-marraine !

J’ai donc le plaisir de vous présenter mes lauréats. J’en ai choisi deux, pleins de talent et d’énergie.

D’un côté, il s’agit de Francis Monty, d’Olivier Ducas et de David Lavoie, qui reçoivent le prix au nom de la compagnie qu’ils animent depuis quelques années, La Pire Espèce, consacrée au théâtre d’objets, un théâtre inventif, ludique et extraordinairement communicant. La Pire Espèce met les mots au cœur de sa démarche. C’est une compagnie talentueuse, brillante et incroyablement dynamique, très engagée dans le milieu du théâtre québécois. Elle est actuellement en tournée en France, malheureusement !

De l’autre côté, mon deuxième protégé se nomme Christian Lapointe. Créateur originaire de Québec, il a étudié la mise en scène à l’École Nationale de Théâtre, et c’est à cette occasion, puisque j’étais sa tutrice à l’école, que j’ai découvert son talent, son intelligence, sa rigueur et sa combativité. Il a fondé sa propre compagnie, pour laquelle il écrit, met en scène et joue avec succès. Il se dévoue sans compter à son art, et le fait avec beaucoup de brio. Mesdames et messieurs, j’ai le plaisir de vous présenter Christian Lapointe.