Merci infiniment aux fondateurs du Prix Siminovitch de théâtre. Merci à vous, Lou, ainsi qu’à votre regrettée épouse Elinor. Merci à Tony et Elisabeth Comper et à BMO pour cette magnifique soirée qui célèbre la scénographie canadienne. Et finalement, merci à vous Peter Hinton, pour avoir proposé ma candidature et pour votre collaboration remarquable et passionnée à nos projets.

Je voudrais également remercier ma famille d’élection : mes beaux-parents, Helga et Gerhard Rudolph, qui se sont infailliblement et passionnément intéressés à mon travail, ainsi que ma partenaire, Katja Rudolph, dont le soutien infatigable a contribué à me conduire jusqu’à ce podium. Elle n’a jamais mis en question les sacrifices que la pratique artistique exige et je suis inspirée par son propre cheminement artistique d’auteur. Le meilleur roman que j’ai lu cette année est d’elle – il est encore sous forme de manuscrit mais j’espère qu’il sera bientôt pris en charge par un agent ou un éditeur!

Le théâtre a sauvé ma vie… et il a aussi failli me tuer! Cette affirmation peut sembler mélodramatique et pourtant, elle est rigoureusement exacte.

Toute jeune, déjà, je voulais devenir une artiste. Ayant grandi dans une famille ravagée par la violence et les mauvais traitements, le mythe de l’artiste a été pour moi comme un phare. C’était une identité à laquelle je pouvais aspirer, la promesse d’une existence meilleure que les perspectives pitoyables que m’offrait mon entourage. J’allais jusqu’à me déguiser en artiste pour la fête d’Halloween – la caricature que je créais alors était un cliché, avec béret noir, bretelles, lunettes rondes et moustache grise comme mon cher Monsieur Bertillon, mon professeur d’art de quatrième année. Mais même à cet âge, je savais que l’artiste était une force puissante dans la société, un chercheur poétique et un agitateur politique. Je voyais l’artiste comme un créateur de beauté, quelqu’un qui met la beauté en question, un maître observateur et reporter, un iconoclaste engagé et un visionnaire. Pour une raison ou pour une autre, même étant jeune enfant, je savais que c’est l’artiste qui joue le rôle du conteur opiniâtre dans notre culture et notre société. C’est l’artiste qui reprend les histoires qui circulent ici et là – les histoires dominantes, les histoires perdues, les histoires de désolation et de désespoir, les histoires d’espoir et de rédemption – et qui les renouvelle en leur donnant une forme poétique et stylisée dans laquelle le public peut se voir comme dans un miroir. C’est l’artiste qui a pour seul but d’expérimenter, de révéler, de proposer, de s’engager, d’inspirer et de nous pousser à nous confronter avec nous-mêmes. C’est lui qui nous met au défi de faire face à notre propre humanité et à notre propre inhumanité et qui, de cette façon, contribue peut-être à une tentative commune de préparer un avenir paisible et spirituellement vivant pour nous tous. Pour moi qui suffoquais dans un silence familial de mort et dans une vision du monde à laquelle je ne trouvais aucun sens, cette autre vision d’une existence axée consciemment et délibérément sur la fonction de conteur d’histoires m’a permis de continuer à vivre. Elle m’a, je ne sais plus combien de fois, empêchée de me jeter dans le Saint-Laurent du haut du pont Jacques-Cartier. Aussi mélodramatique que cela puisse paraître.

Quand j’étais dans la vingtaine, une période qui fut pour moi tumultueuse, j’ai étudié les beaux-arts au Ontario College of Art and Design. C’est là que j’ai rencontré Paul Baker, qui donnait un cours d’introduction au théâtre. Je suis instantanément tombée amoureuse du théâtre. Je suis aussi tombée amoureuse de Paul, en tant que professeur! J’avais 26 ans et j’avais déjà travaillé dans les domaines de la décoration intérieure, des arts graphiques et de la conception typographique et j’essayais de devenir peintre. Manifestement, il m’a fallu pas mal de temps pour trouver mon médium!

Le théâtre avait été absent de mon enfance. C’est pourquoi, lorsque je l’ai découvert, j’ai été à la fois stupéfaite et fascinée. Le caractère véritablement multidimensionnel du théâtre m’impressionnait énormément : le théâtre est non seulement visuellement tridimensionnel, il se déroule dans un lieu particulier, en temps réel, il comporte des paroles dites ou chantées, il explore les vérités et mensonges de l’existence au moyen de la narration et il mobilise l’âme du musicien ainsi que la force expressive du corps humain. En outre, il tisse miraculeusement ensemble – et j’insiste ici sur le mot « miraculeusement » – la passion et la vision de nombreux collaborateurs : les idées psychologiques, spirituelles et politiques de l’auteur, la vision musicale du compositeur, la volonté d’interprétation de l’équipe créatrice – metteur en scène, chef d’orchestre, décorateurs, régisseur de plateau – la générosité des comédiens, chanteurs et musiciens ainsi que les compétences techniques et artistiques et le dévouement des équipes de production. Enfin, et tout aussi miraculeusement, il exige l’engagement et l’ouverture d’esprit d’un public. L’artiste en moi a vu dans le théâtre et dans l’opéra le médium le plus passionnant, le plus complexe et le plus ambitieux. J’ai succombé totalement au riche monde des mots, de la musique et des images et c’est ainsi que j’ai commencé à comprendre mon propre monde personnel et, enfin, à le voir réfléchi vers moi. La traduction des textes en images m’a donné le pouvoir de m’engager dans ma propre transformation.

La conception de décors et de costumes me permet de transformer un espace physique en un cadre psychologique et symbolique. En collaboration étroite avec le metteur en scène, j’essaie de créer visuellement l’arc poétique qui peut le mieux soutenir le déroulement du récit et représenter le paysage émotionnel des personnages. En me concentrant sur l’enchaînement des scènes et les métamorphoses des protagonistes, je cherche une métaphore visuelle centrale qui fait ressortir les thèmes sous-jacents et qui correspond au symbolisme de l’auteur. Que le texte traite de la politique de la guerre ou d’une question personnelle sans grande importance, une image saisissante peut, selon moi, incarner l’essence du drame. À l’intérieur de ce champ visuel poétique cohésif, mon but est de présenter l’histoire avec clarté, de manière à accentuer l’impact de chaque scène. Des décors et des costumes subtils et transformables peuvent exprimer les enjeux de l’histoire qui se déroule.

Le processus joue un rôle crucial dans la création de ce monde représenté. À plusieurs stades de la conception, j’invite les metteurs en scène à travailler avec moi dans mon atelier pendant des journées entières. Nous nous assoyons à mon bureau et nous étudions minutieusement le texte, ligne par ligne. Nous discutons de tout ce qu’il y a sous le soleil en rapport avec ce texte – nos opinions politiques, nos goûts esthétiques, nos propres biographies. Et nous commandons des tas de mets thaïlandais! Finalement, nous en arrivons à une compréhension commune de l’histoire et de sa pertinence mythique pour nous ainsi que pour l’époque et le lieu où nous vivons. L’électricité générée par un tel processus de création peut, si tout se passe bien, se maintenir jusqu’aux séances de travail avec les comédiens et jusqu’aux répétitions techniques. Les comédiens, les chanteurs et les concepteurs d’éclairages participent à ce processus créatif et leurs apports cumulés permettent de peaufiner notre univers dramatique.

Il est difficile d’expliquer l’euphorie que procure une soirée de première parfaite. Dans une carrière, on compte ces expériences sur les doigts de la main. Je me souviens d’une fois en particulier, c’était au Cincinnati Opera House, à l’occasion d’une production d’Elektra, de Strauss, dirigée par Nicolas Muni. À la fin, il y a eu plusieurs secondes de silence absolu, et puis soudain ce public conservateur du Midwest américain s’est levé en faisant un énorme bruit, applaudissant à tout rompre cette diatribe opératique à la fois débridée, atonale, déchaînée et exquise. Les applaudissements ont duré dix minutes. Pendant ce court laps de temps, tout ce que j’avais investi dans le processus de création m’a été rendu, et plus encore. Alors que je me sentais vidée – j’étais épuisée et faisais déjà le deuil d’un projet mené à terme – je me suis instantanément sentie comblée et j’ai su à ce moment-là que j’avais fait le plein de combustible créatif pour les deux ou trois prochaines années.

Mais comment le théâtre a-t-il failli me tuer? Comme je l’ai dit, je m’étais très tôt raccrochée aux arts comme à une bouée de sauvetage. Pour moi, les arts faisaient partie de la lutte désespérée que je menais quotidiennement pour une existence meilleure. Tout était investi dans le processus créatif et dans le trajet à parcourir pour placer quelque chose de substantiel, de beau et de poétique sur la scène. L’effort que cela exige est tout simplement indescriptible. Moi-même, je n’arrive jamais à comprendre pourquoi cet effort exige autant de temps et d’énergie. Je crains d’ailleurs qu’en raison de l’intensité que j’y mets – comme s’il s’agissait d’un combat à mort – ceux qui travaillent avec moi ne me trouvent guère reposante!

Mais au-delà des éléments liés à ma propre vie et à ma personnalité, il existe des obstacles très réels à la scénographie de grandes œuvres de théâtre et d’opéra au Canada. Le théâtre vous tue un petit peu chaque jour, tout en vous protégeant contre vous-même et en vous inspirant. Ce métier est tellement difficile à pratiquer! Premièrement, en Allemagne, un scénographe peut très bien gagner sa vie en travaillant à deux spectacles par année. Ici, deux spectacles par année ne suffisent pas. Pour vivre raisonnablement bien, un scénographe doit absolument travailler à de nombreuses productions qui se chevauchent, Ce rythme de travail est épuisant et intenable. Les minimums de la Professional Association of Canadian Theatres (PACT) établis avec l’Association des designers canadiens (ADC), qui sont les normes appliquées actuellement dans notre secteur d’activité, ne tiennent absolument pas compte des frais qu’il faut engager pour maintenir un atelier ni du fait que la scénographie est un travail qui exige énormément de temps. Si on divise leur revenu par le nombre d’heures travaillées, les scénographes sont probablement ceux qui ont le salaire horaire le plus bas dans le monde du théâtre au Canada. J’ai déjà calculé que j’avais réalisé une scénographie pour un salaire horaire de 6,35 $. Et il s’agissait d’une scénographie assez considérable, pour une compagnie importante. Alors que d’autres travailleurs du théâtre ont des contrats qui durent quelques semaines, les scénographes ont souvent des contrats portant sur plusieurs mois et s’étendant sur quelques années et les sommes forfaitaires qui leur sont versées n’en tiennent pas compte. Deuxièmement, les scénographes ne peuvent pas expérimenter, aller au bout de leur art et tester leurs matériaux si les théâtres ne soutiennent pas la recherche et le développement qui sont essentiels pour se perfectionner. Les théâtres hésitent souvent à payer pour ce risque et le scénographe doit alors se battre pour obtenir les ressources dont il a besoin. Par conséquent, le scénographe, contrairement à d’autres artistes de théâtre, se retrouve toujours, en définitive, inextricablement lié à l’argent et aux coûts imprévisibles que comporte la production de décors, d’accessoires et de costumes et il peut rarement être simplement un artiste qui cherche à se hisser à des niveaux artistiques plus élevés. Troisièmement, le fardeau financier de plus en plus lourd lié à l’administration des théâtres a pour effet de déplacer leur centre d’intérêt, de la scène vers les bureaux et vers les autres programmes que les théâtres offrent maintenant. La corporatisation du théâtre me préoccupe profondément. J’espère que nous n’irons pas trop loin dans cette voie qui conduit à gérer le théâtre comme une entreprise à valeur ajoutée. Les entreprises vendent des produits, mais le théâtre, lui, ne vend pas de produit : le théâtre participe à la vie des gens. Le théâtre est le cœur d’un peuple, un lieu où nous pouvons faire face à nous-mêmes, où nous pouvons raconter nos histoires, briser nos silences et sauver quelques vies, littéralement et spirituellement. C’est, en tout cas, ce qu’il devrait être. Les gouvernements doivent le reconnaître et les théâtres devront faire preuve d’inventivité pour équilibrer leurs comptes tout en se dotant d’administrations créatrices, favorables aux artistes et démocratiques. Nous devons nous souvenir que sans la scène, et sans les artistes qui l’habitent, les théâtres ne pourraient pas maintenir leurs autres programmes et leurs administrateurs y perdraient eux aussi.

Les combats que j’ai mentionnés ici poussent dangereusement les scénographes vers l’épuisement professionnel. L’épuisement professionnel, c’est la mort d’un artiste et, pour moi, cela signifie aussi, en quelque sorte, ma propre mort. Le combat pour porter ma vision sur scène m’a épuisée, ces derniers temps, malgré quelques exceptions notables. Les jeunes concepteurs ne restent pas assez longtemps dans le métier pour devenir les grands scénographes qu’ils pourraient être. Si l’artiste doit continuer d’être un phare pour les générations futures, si ces générations doivent continuer à aspirer à cette persona mythique, nous devons faire en sorte que les artistes n’abandonnent pas tous le domaine des arts pour aller travailler dans des banques. Nous avons besoin de gens qui travaillent dans des banques, mais en tant que société, nous avons aussi besoin d’artistes. Un prix comme celui qui m’est décerné ce soir constitue un énorme stimulant symbolique, ainsi que, pour quelques-uns d’entre nous, un formidable stimulant matériel au moment où cela compte le plus, c’est-à-dire en milieu de carrière, lorsque l’énergie faiblit, et tous les artistes présents ici ce soir en sont très reconnaissants. Il nous faudrait plus de prix comme celui-ci! Mais nous avons aussi besoin d’un changement systémique.

J’éprouve toujours un respect mêlé d’admiration pour l’aventure théâtrale. J’ai espoir que cette activité miraculeuse fondée sur la collaboration pourra elle-même constituer une sorte de métaphore exemplaire pour la vie à l’extérieur du théâtre. Quand je vois ce que des gens peuvent accomplir ensemble en partageant leur vision créatrice, cela me remplit d’espoir. Ce qu’il y a d’essentiel dans le théâtre, son pouvoir de transformer les choses, transportons-le dans le monde extérieur plutôt que de laisser les normes du monde extérieur régir nos théâtres. Nous devons décider d’être un peuple qui apprécie l’art qui enrichit la vie des gens, l’art qui peut même parfois sauver des vies, littéralement et spirituellement.

Et voici maintenant la partie vraiment agréable. C’est pour moi un immense plaisir de pouvoir honorer deux scénographes dont j’admire beaucoup le travail et l’engagement. April Anne Viczko, une artiste douée d’un grand discernement ainsi que d’un sens architectural et poétique. J’ai beaucoup travaillé avec April au cours des deux dernières années. Sa passion, son talent et son sens de l’humour inégalé peuvent contribuer considérablement à la réussite d’un projet. Et Camellia Koo, une méticuleuse interprète des œuvres sculpturales et symboliques. Son travail est caractérisé par la précision, la patience et une remarquable vision théâtrale. J’ai eu grand plaisir à travailler avec elle au cours des quatre dernières années.

Enfin, nous voulons également encourager une scénographe récemment diplômée, Jung-Hye Kim, dont le talent et la détermination à devenir scénographe sont remarquables. J’ai été vraiment impressionnée par son éthique de travail acharné et par son esprit d’initiative.

Merci Dr Siminovitch. Merci aux fondateurs du Prix Siminovitch de théâtre et à BMO Groupe financier de parrainer le Prix et cette soirée, à Mary Adachi de m’avoir sélectionné et au jury pour son immense acte de foi.

Je suis ravi d’être enfin invité à l’un de ces cocktails de l’élite où, selon notre premier ministre, les artistes se pressent. Personnellement, je n’en connais pas beaucoup qui meurent d’envie de revêtir un complet. Mais je ne côtoie peut-être pas les bonnes personnes. Et je ne me considère pas non plus comme un artiste… du moins pas encore. J’espère qu’avant de rendre mon dernier souffle, ce mot s’échappera de mes lèvres, riche de sens. Pour moi, un artiste est une personne qui crée une œuvre qui ne se discute pas, mais qui se ressent. Il me semble que je suis encore loin du compte. Cependant, le Prix Siminovitch de thé âtre me laisse croire que je suis peut-être sur la bonne voie. C’est pourquoi je tiens à vous remercier tous de votre vote de confiance.

Se trouver en milieu d’une carrière, d’une vie, d’une expérience, d’un processus de compréhension, de l’exercice de son métier, est passionnant. Dans un monde avide de jeunesse et de nouveauté, je me sens invisible depuis quelques années. Trop vieux pour être la dernière attraction à la mode et trop jeune pour être un vieux maître vénéré. En fait, c’est une place de choix. Je suis assez satisfait de pouvoir simplement créer de nouvelles œuvres sans avoir à me soucier d’ecirc;tre l’enfant terrible de la presse qui passe son temps à mettre son personnage de l’avant. Si on a la chance d’arriver à mi-carrière, cela suppose que les ficelles de la technique sont maîtrisées, et que la deuxième partie du chemin sera consacrée à l’exploration d’idées et de différents contenus. C’est là ma passion, suspendu que je suis au milieu de tout cela. Je suis le plus surpris de tous d’avoir été sélectionné pour recevoir ce magnifique honneur. Mais grâce à Dieu et aux fondateurs, il y a un prix qui récompense ceux et celles qui sont tout simplement à mi-parcours. Et croyez-moi, le meilleur reste à venir; ce mitan n’est en vérité que le début.

Mon principal mentor dans le domaine des spectacles de marionnettes, Martin Stevens, a dit que l’art était notre contribution personnelle à la grande conversation sur la vie. Maintenant que je suis arrivé à mi-chemin dans ma carrière, le Prix Siminovitch me permettra de poursuivre cette discussion d’une façon significative.

Je crois que le jury a fait un choix qui ne manque pas d’audace. Un choix historique dont il n’est peut-être même pas conscient. Je suis tout à la fois concepteur, auteur, acteur, producteur, technicien ambulant, patron, collaborateur, agent de publicité, fabricant de moules et sculpteur sur bois, mais avant tout, je suis marionnettiste. Et il n’y a aucune catégorie dans les cycles de trois ans du Prix Siminovitch pour les gens de mon espèce. Et pourtant, je suis là devant vous. Je tiens à en remercier le jury, non seulement à titre personnel, mais également pour le message qu’il envoie ainsi à mon petit groupe un peu étrange dans le monde des arts, à savoir que le spectacle de marionnettes est effectivement un art à part entière qui doit être reconnu sur la scène théâtrale. La situation était bien différente quand j’ai commencé. C’est pourquoi j’espère que ce Prix encouragera les jeunes à créer des marionnettes dans le sous-sol de leurs parents et à oser rêver grand.

Je tiens à remercier personnellement les fondateurs d’avoir créé ce Prix en l’honneur des Siminovitch. Je sais ce que signifie vouloir garder en vie un esprit qui nous est cher et se rappeler une personne importante. La dernière fois que j’ai pris la parole en public, c’était il y a à peine une semaine, pour l’éloge funèbre de ma mère au service commémoratif qui a eu lieu en Alberta. J’ai appris que je venais de recevoir ce Prix le jour même où ma mère est décédée. Ma mère, et mon père qui nous a quittés l’an passé, auraient adoré cette marque de reconnaissance. J’aurais souhaité qu’ils puissent voir un groupe de banquiers organiser une fête en mon honneur. Mes parents étaient les gens les plus loyaux, les plus spectaculaires, les plus drôles et les plus simples que j’aie jamais connus. Leur soutien et leur fierté pour mes entreprises étaient infinis. Certes pas inconditionnels, mais infinis. Dans un monde qui nivelle par le bas, j’apprécie plus que jamais leurs exigences. Quand j’étais encore adolescent, mon père m’a dit : « Comment se fait-il que n’importe quel abruti dans cette pièce puisse affirmer être un artiste sans que personne remette cette affirmation en question? Si on prétend être un artiste, il faut le prouver. Et si cette affirmation est nécessaire, c’est la preuve en soi qu’elle n’est probablement pas vraie. » Voici donc en un mot résumé ce qu’était mon père… et la province de l’Alberta.

Quelles étaient les chances pour un gamin des Prairies de devenir marionnettiste et de faire une carrière internationale en théâtre? En fait, elles étaient assez bonnes. Quand j’ai commencé à me faire connaître, je veux dire quand j’étais jeune et motivé, il y avait une multitude de petites subventions dans le domaine artistique.

Ainsi, à 14 ans, j’ai obtenu 1 000 $ d’Alberta Culture pour aller au Puppeteers of America Festival, à Lansing, au Michigan. La douce folie de mes parents qui m’ont mis dans l’avion et m’ont autorisé à traverser la frontière tout seul pour frayer avec une bande de vieux fous qui faisaient danser des marionnettes est une chose. Mais mieux encore, l’Alberta a dit : Vas-y. Écoute. Apprends. Et reviens riche de nouvelles expériences. C’est ce que j’ai fait. J’ai rencontré les maîtres dans l’art du spectacle de marionnettes à ce festival et ils m’ont pris sous leur aile. Et à ma façon, je les ai ramenés avec moi.

À 18 ans, j’ai quitté l’université et avec une autre petite subvention d’Alberta Culture, j’ai participé à un congrès et à un festival internationaux de marionnettistes à Moscou. Ce que j’ai vu dans les théâtres moscovites reste inscrit dans ma mémoire et a changé à tout jamais ma vision de la vie, de la conception des marionnettes et du spectacle. À ma façon, j’ai aussi rapporté ces rencontres dans mes valises. D’une autre façon, je les ai présentées au monde, dans de multiples tournées, avec une saveur toute canadienne.

Plusieurs années plus tard, quand cette idée folle de faire du théâtre de marionnettes pour adultes m’a traversé l’esprit, le Conseil des arts du Canada avait une petite subvention intitulée Explorations qui m’a permis de me lancer dans ce projet. Le Theatre of Marionettes sillonne les routes depuis 23 ans maintenant grâce à ce premier investissement de mon pays dans une petite entreprise artistique.

Quelles étaient les chances pour un gamin des Prairies, passionné de marionnettes de faire une carrière internationale en théâtre? Elles étaient bonnes. Tout simplement parce que j’étais né au Canada et que, non seulement j’appartenais à une génération qui était alors capable de courir le monde pour y faire l’expérience de mon langage artistique et de rapporter de riches expériences dans ses bagages, mais également parce que dans le Canada où j’ai grandi et où j’ai été formé, il y avait des troupes de théâtre et de danse, et des groupes de musique qui partaient constamment en tournée aux quatre coins du pays.

J’ai vu la pièce Ten Lost Years et je me suis rendu compte pour la première fois que nous étions intéressants sur scène. J’ai vu la Canadian Opera Company présenter La Bohème. J’ai vu Danny Grossman jouer dans Higher. J’ai vu tout cela et bien plus encore à Medecine Hat, en Alberta.

Je suis d’accord avec notre premier ministre. Le milieu artistique au Canada est élitiste. Contrairement au Canada de ma jeunesse, à moins de vivre dans une grande ville et d’avoir un revenu disponible très élevé, il est impossible de voir un ballet, d’assister à un opéra, à une pièce de théâtre ou à la représentation d’un orchestre symphonique. Alors que d’autres pays savent que le meilleur moyen de mettre en valeur son caractère distinctif et son éclat sur la scène internationale consiste à exporter sa culture, notre gouvernement a purement et simplement supprimé les programmes d’exportation de la culture. Notre voix audacieuse, unique et issue du nouveau continent s’est tue sur les scènes du monde. Alors, même si les enfants d’Abbottsford, de Wawa, d’Antigosh et de Medicine Hat réussissent à attirer l’attention internationale, le Canada dit Non. C’est pourquoi, au cours d’une année de mort et de destruction, une année où j’ai très sérieusement envisagé la possibilité que ma petite troupe ambulante mette la clé sous la porte et où j’ai entendu mon pays dire Non, non et non, j’aimerais sincèrement remercier le Prix Siminovitch de théâtre, qui, lui, dit Oui haut et fort.

D’ailleurs, ce n’est pas la seule voix que j’ai entendue s’élever récemment. L’autre jour, j’étais au Starbucks de Roncesvalles quand une femme est entrée, s’est assise et a commencé à parler toute seule, à parler aux clients, aux fantômes, à Dieu, à tout le monde et à n’importe qui. Elle ressemblait, à défaut d’une description plus exacte, à une marionnette de Burkett en puissance. Édentée, très vieille et revêtue de ce mystérieux drapé de peau qui apparaît quand les lèvres, le menton et le cou ne font plus qu’un. Cheveux blancs et coupe brutale, trop nombreux sacs d’épicerie… elle demandait à différentes jeunes femmes qui se trouvaient au Starbucks si celles-ci travaillaient dans la maison où cette femme vivait. J’ai tenté de l’ignorer, mais mon désir pervers de créateur de marionnettes d’étudier son visage, ses chevilles, ses bas et le contenu de ses sacs m’a poussé à la dévisager. Et elle ne m’a plus lâché.

Elle m’a fixé et s’est mise à hurler : « Tu n’avais pas besoin de chirurgie! » J’ai de nouveau tenté de l’ignorer, concentrant toute mon attention sur mon latte vanille hypocalorique. La femme s’est remise à hurler : « Tu n’avais pas besoin de chirurgie! » C’était incroyable. Qui était-elle? Une sorcière? Une voyante? Une folle? « Tu n’avais pas besoin de chirurgie! » Qui lui avait dit? Comment pouvait-elle savoir que j’avais l’intention d’investir l’argent du Prix Siminovitch dans de si nombreuses interventions de chirurgie esthétique que, d’ici avril prochain, j’aurais la peau du visage aussi tendue que celle d’un tambour. Ah… les potins dans le monde du théâtre!

Je me suis sauvé et ai trouvé refuge sur un banc, à l’extérieur du Starbucks. Mais elle m’a suivi. Debout, là, sur les marches du café, elle m’a dévisagé et a hurlé : « Tu es le meilleur dentiste du monde! » Quelle chose étrange. Elle hurla de nouveau : « Tu es le meilleur dentiste du monde! » Vraiment très bizarre. C’était complètement fou. Et potentiellement dangereux. Enfin, si jamais le jury du Prix Siminovitch en avait vent? Que se passerait-il s’il apprenait que j’étais dentiste et non pas créateur de marionnettes? Il me déposséderait du Prix avant même que j’aie eu le temps de mettre la main dessus. « Tu es le meilleur dentiste du monde! »

Je me suis levé, prêt à partir, je l’ai regardée et lui ai dit : « Vous savez très bien que je ne suis pas dentiste ». Ce à quoi elle répliqua : « Tu es le meilleur dentiste du monde! » Je l’ai de nouveau dévisagée pendant une demi-seconde et je me suis alors rendu compte de deux choses : un, qui étais-je pour la contredire? Je puis vous assurer que je n’ai jamais tâté de la dentisterie amateur. Que je ne suis pas diplômé en chirurgie dentaire. Mais si elle voulait hurler à qui voulait l’entendre que j’étais le meilleur dentiste du monde, qu’est-ce que cela pouvait bien faire? Qui sait, peut-être y a-t-il un prix qui récompense aussi le meilleur dentiste du monde? J’aurais peut-être pu doubler mes revenus!

La deuxième chose dont je me suis rendu compte est la suivante : elle n’était ni sorcière, ni voyante, ni folle. Elle était cet être étrange et magique que je cherche dans les tramways, les aéroports et les cafés. Cette magnifique créature hurlante et imparfaite était mon inspiration, ma muse.

Pendant des années, on m’a demandé : « Bon sang, Ron, comment tu trouves tes personnages? » Eh bien. J’ai un chaudron où bouillonnent toutes sortes de niaiseries et d’inventions dans mon studio, mais la source de mes personnages, c’est nous. Nombreux sont les marionnettistes à façonner des personnages fantastiques, des gargouilles et des monstres, des anges et des démons, des elfes et des animaux qui parlent. Je crée de petits personnages, des représentations plus petites de nous tous; parce que dans mon espèce, il y a assez d’anges et de démons.

Alors cette femme tout à la fois magnifique, folle et abîmée par la vie qui ne cessait de proclamer que j’étais le meilleur dentiste du monde allait sans aucun doute se frayer un chemin sur scène, dans mon prochain spectacle, une icône en bois ratatinée dont la folie et le désespoir évoquaient la condition humaine. Une vision iconique de nous-mêmes sur scène qui peut-être ne se prête à aucune discussion, mais se laisse simplement ressentir.

Je suis le produit de mes mentors et de leur confiance en moi. De prestigieuses, magnifiques et imparfaites brutes de l’art du spectacle de marionnettes qui m’ont appris à dessiner, à sculpter et à observer, mais surtout, m’ont poussé à dépasser les limites du simple divertissement facile et charmant que cet art était devenu. Je suis aussi le produit de mon pays et de la confiance qu’il m’a faite. Certes, le Canada anglophone n’est peut-être pas le lieu de prédilection de la création théâtrale de l’heure, mais je continue de croire que je suis ici devant vous ce soir simplement parce que j’étais un enfant canadien passionné de marionnettes. Nous avons peut-être tous la responsabilité de faire de notre environnement un monde meilleur. En tant que marionnettiste, fils et Canadien, j’espère pouvoir y parvenir en échange des immenses faveurs qui m’ont été accordées.

J’ai une énorme dette envers les collègues et les artisans qui ont travaillé avec moi au cours des années pour créer mes marionnettes. Leur amitié, leur passion et leur souci du détail n’ont cessé de faire de moi une personne meilleure et m’ont poussé à continuer alors que je me retrouvais parfois assis sur une montagne de sciure, à me demander comment j’allais bien pouvoir honorer une autre échéance impossible. Je suis aussi reconnaissant et redevable envers un nombre incalculable de concepteurs, d’auteurs, d’acteurs, de danseurs, de techniciens et de musiciens qui m’ont inspiré, m’ont remis en question et plus encore m’ont fait la grâce de leur générosité d’esprit. Personne n’a bénéficié d’une plus grande bonté.

Pour Martin Stevens, mon mentor, qui, mon père mis à part, a été l’homme le plus influent dans ma vie et certainement l’un des plus dignes d’être cité, une marionnette était une idée mise en forme et en mouvement. Il insistait pour que les trois éléments indispensables soient présents : la forme physique, la pensée ou l’impulsion à l’origine de la création du personnage et le mouvement sur scène. Je me suis rendu compte l’autre jour qu’il s’agissait là d’une excellente description; elle s’applique aussi à la vie d’une personne. C’est pourquoi je suis reconnaissant d’avoir obtenu le Prix Siminovitch de théâtre qui ne manquera pas de me pousser à réfléchir et à aller de l’avant, encore et toujours. Je pars en tournée avec mes spectacles depuis l’âge de 14 ans. Ma carrière est plus longue que celle du premier ministre. Alors, grâce à ce fol acte de foi et de confiance répétée dans le gamin passionné de marionnettes que le Prix Siminovitch récompense aujourd’hui, cette voix audacieuse, unique, issue du Nouveau Monde et éminemment canadienne continuera de se faire entendre.

Merci.

En retour, j’ai le plaisir de pouvoir faire bénéficier une jeune artiste canadienne, elle aussi conceptrice de marionnettes et marionnettiste, de mon vote de confiance et d’une partie de ce Prix extraordinaire. Il s’agit d’une jeune femme qui est à n’en pas douter une puriste. Elle a assisté à un spectacle de marionnettes d’un compatriote – ce compatriote – il y a quelques années et s’est dit… eh… c’est ce que je veux faire. Elle est partie étudier à l’Institut international de la marionnette, en France, en est ressortie diplômée et a, elle aussi, rapporté toute cette richesse dans ses bagages. Une jeune femme qui, lorsque je lui ai téléphoné pour lui annoncer qu’elle avait gagné une partie de ce Prix, s’est mise à pleurer et s’est écriée : « Je vais pouvoir monter un nouveau spectacle! ». Je n’aurais pu mieux choisir. Il s’agit de Clea Minaker. J’ai l’immense plaisir de vous la présenter à titre de protégée du Prix Siminovitch de théâtre de cette année.