Merci Dr Siminovitch. Merci aux fondateurs du Prix Siminovitch de théâtre et à BMO Groupe financier de parrainer le Prix et cette soirée, à Mary Adachi de m’avoir sélectionné et au jury pour son immense acte de foi.

Je suis ravi d’être enfin invité à l’un de ces cocktails de l’élite où, selon notre premier ministre, les artistes se pressent. Personnellement, je n’en connais pas beaucoup qui meurent d’envie de revêtir un complet. Mais je ne côtoie peut-être pas les bonnes personnes. Et je ne me considère pas non plus comme un artiste… du moins pas encore. J’espère qu’avant de rendre mon dernier souffle, ce mot s’échappera de mes lèvres, riche de sens. Pour moi, un artiste est une personne qui crée une œuvre qui ne se discute pas, mais qui se ressent. Il me semble que je suis encore loin du compte. Cependant, le Prix Siminovitch de thé âtre me laisse croire que je suis peut-être sur la bonne voie. C’est pourquoi je tiens à vous remercier tous de votre vote de confiance.

Se trouver en milieu d’une carrière, d’une vie, d’une expérience, d’un processus de compréhension, de l’exercice de son métier, est passionnant. Dans un monde avide de jeunesse et de nouveauté, je me sens invisible depuis quelques années. Trop vieux pour être la dernière attraction à la mode et trop jeune pour être un vieux maître vénéré. En fait, c’est une place de choix. Je suis assez satisfait de pouvoir simplement créer de nouvelles œuvres sans avoir à me soucier d’ecirc;tre l’enfant terrible de la presse qui passe son temps à mettre son personnage de l’avant. Si on a la chance d’arriver à mi-carrière, cela suppose que les ficelles de la technique sont maîtrisées, et que la deuxième partie du chemin sera consacrée à l’exploration d’idées et de différents contenus. C’est là ma passion, suspendu que je suis au milieu de tout cela. Je suis le plus surpris de tous d’avoir été sélectionné pour recevoir ce magnifique honneur. Mais grâce à Dieu et aux fondateurs, il y a un prix qui récompense ceux et celles qui sont tout simplement à mi-parcours. Et croyez-moi, le meilleur reste à venir; ce mitan n’est en vérité que le début.

Mon principal mentor dans le domaine des spectacles de marionnettes, Martin Stevens, a dit que l’art était notre contribution personnelle à la grande conversation sur la vie. Maintenant que je suis arrivé à mi-chemin dans ma carrière, le Prix Siminovitch me permettra de poursuivre cette discussion d’une façon significative.

Je crois que le jury a fait un choix qui ne manque pas d’audace. Un choix historique dont il n’est peut-être même pas conscient. Je suis tout à la fois concepteur, auteur, acteur, producteur, technicien ambulant, patron, collaborateur, agent de publicité, fabricant de moules et sculpteur sur bois, mais avant tout, je suis marionnettiste. Et il n’y a aucune catégorie dans les cycles de trois ans du Prix Siminovitch pour les gens de mon espèce. Et pourtant, je suis là devant vous. Je tiens à en remercier le jury, non seulement à titre personnel, mais également pour le message qu’il envoie ainsi à mon petit groupe un peu étrange dans le monde des arts, à savoir que le spectacle de marionnettes est effectivement un art à part entière qui doit être reconnu sur la scène théâtrale. La situation était bien différente quand j’ai commencé. C’est pourquoi j’espère que ce Prix encouragera les jeunes à créer des marionnettes dans le sous-sol de leurs parents et à oser rêver grand.

Je tiens à remercier personnellement les fondateurs d’avoir créé ce Prix en l’honneur des Siminovitch. Je sais ce que signifie vouloir garder en vie un esprit qui nous est cher et se rappeler une personne importante. La dernière fois que j’ai pris la parole en public, c’était il y a à peine une semaine, pour l’éloge funèbre de ma mère au service commémoratif qui a eu lieu en Alberta. J’ai appris que je venais de recevoir ce Prix le jour même où ma mère est décédée. Ma mère, et mon père qui nous a quittés l’an passé, auraient adoré cette marque de reconnaissance. J’aurais souhaité qu’ils puissent voir un groupe de banquiers organiser une fête en mon honneur. Mes parents étaient les gens les plus loyaux, les plus spectaculaires, les plus drôles et les plus simples que j’aie jamais connus. Leur soutien et leur fierté pour mes entreprises étaient infinis. Certes pas inconditionnels, mais infinis. Dans un monde qui nivelle par le bas, j’apprécie plus que jamais leurs exigences. Quand j’étais encore adolescent, mon père m’a dit : « Comment se fait-il que n’importe quel abruti dans cette pièce puisse affirmer être un artiste sans que personne remette cette affirmation en question? Si on prétend être un artiste, il faut le prouver. Et si cette affirmation est nécessaire, c’est la preuve en soi qu’elle n’est probablement pas vraie. » Voici donc en un mot résumé ce qu’était mon père… et la province de l’Alberta.

Quelles étaient les chances pour un gamin des Prairies de devenir marionnettiste et de faire une carrière internationale en théâtre? En fait, elles étaient assez bonnes. Quand j’ai commencé à me faire connaître, je veux dire quand j’étais jeune et motivé, il y avait une multitude de petites subventions dans le domaine artistique.

Ainsi, à 14 ans, j’ai obtenu 1 000 $ d’Alberta Culture pour aller au Puppeteers of America Festival, à Lansing, au Michigan. La douce folie de mes parents qui m’ont mis dans l’avion et m’ont autorisé à traverser la frontière tout seul pour frayer avec une bande de vieux fous qui faisaient danser des marionnettes est une chose. Mais mieux encore, l’Alberta a dit : Vas-y. Écoute. Apprends. Et reviens riche de nouvelles expériences. C’est ce que j’ai fait. J’ai rencontré les maîtres dans l’art du spectacle de marionnettes à ce festival et ils m’ont pris sous leur aile. Et à ma façon, je les ai ramenés avec moi.

À 18 ans, j’ai quitté l’université et avec une autre petite subvention d’Alberta Culture, j’ai participé à un congrès et à un festival internationaux de marionnettistes à Moscou. Ce que j’ai vu dans les théâtres moscovites reste inscrit dans ma mémoire et a changé à tout jamais ma vision de la vie, de la conception des marionnettes et du spectacle. À ma façon, j’ai aussi rapporté ces rencontres dans mes valises. D’une autre façon, je les ai présentées au monde, dans de multiples tournées, avec une saveur toute canadienne.

Plusieurs années plus tard, quand cette idée folle de faire du théâtre de marionnettes pour adultes m’a traversé l’esprit, le Conseil des arts du Canada avait une petite subvention intitulée Explorations qui m’a permis de me lancer dans ce projet. Le Theatre of Marionettes sillonne les routes depuis 23 ans maintenant grâce à ce premier investissement de mon pays dans une petite entreprise artistique.

Quelles étaient les chances pour un gamin des Prairies, passionné de marionnettes de faire une carrière internationale en théâtre? Elles étaient bonnes. Tout simplement parce que j’étais né au Canada et que, non seulement j’appartenais à une génération qui était alors capable de courir le monde pour y faire l’expérience de mon langage artistique et de rapporter de riches expériences dans ses bagages, mais également parce que dans le Canada où j’ai grandi et où j’ai été formé, il y avait des troupes de théâtre et de danse, et des groupes de musique qui partaient constamment en tournée aux quatre coins du pays.

J’ai vu la pièce Ten Lost Years et je me suis rendu compte pour la première fois que nous étions intéressants sur scène. J’ai vu la Canadian Opera Company présenter La Bohème. J’ai vu Danny Grossman jouer dans Higher. J’ai vu tout cela et bien plus encore à Medecine Hat, en Alberta.

Je suis d’accord avec notre premier ministre. Le milieu artistique au Canada est élitiste. Contrairement au Canada de ma jeunesse, à moins de vivre dans une grande ville et d’avoir un revenu disponible très élevé, il est impossible de voir un ballet, d’assister à un opéra, à une pièce de théâtre ou à la représentation d’un orchestre symphonique. Alors que d’autres pays savent que le meilleur moyen de mettre en valeur son caractère distinctif et son éclat sur la scène internationale consiste à exporter sa culture, notre gouvernement a purement et simplement supprimé les programmes d’exportation de la culture. Notre voix audacieuse, unique et issue du nouveau continent s’est tue sur les scènes du monde. Alors, même si les enfants d’Abbottsford, de Wawa, d’Antigosh et de Medicine Hat réussissent à attirer l’attention internationale, le Canada dit Non. C’est pourquoi, au cours d’une année de mort et de destruction, une année où j’ai très sérieusement envisagé la possibilité que ma petite troupe ambulante mette la clé sous la porte et où j’ai entendu mon pays dire Non, non et non, j’aimerais sincèrement remercier le Prix Siminovitch de théâtre, qui, lui, dit Oui haut et fort.

D’ailleurs, ce n’est pas la seule voix que j’ai entendue s’élever récemment. L’autre jour, j’étais au Starbucks de Roncesvalles quand une femme est entrée, s’est assise et a commencé à parler toute seule, à parler aux clients, aux fantômes, à Dieu, à tout le monde et à n’importe qui. Elle ressemblait, à défaut d’une description plus exacte, à une marionnette de Burkett en puissance. Édentée, très vieille et revêtue de ce mystérieux drapé de peau qui apparaît quand les lèvres, le menton et le cou ne font plus qu’un. Cheveux blancs et coupe brutale, trop nombreux sacs d’épicerie… elle demandait à différentes jeunes femmes qui se trouvaient au Starbucks si celles-ci travaillaient dans la maison où cette femme vivait. J’ai tenté de l’ignorer, mais mon désir pervers de créateur de marionnettes d’étudier son visage, ses chevilles, ses bas et le contenu de ses sacs m’a poussé à la dévisager. Et elle ne m’a plus lâché.

Elle m’a fixé et s’est mise à hurler : « Tu n’avais pas besoin de chirurgie! » J’ai de nouveau tenté de l’ignorer, concentrant toute mon attention sur mon latte vanille hypocalorique. La femme s’est remise à hurler : « Tu n’avais pas besoin de chirurgie! » C’était incroyable. Qui était-elle? Une sorcière? Une voyante? Une folle? « Tu n’avais pas besoin de chirurgie! » Qui lui avait dit? Comment pouvait-elle savoir que j’avais l’intention d’investir l’argent du Prix Siminovitch dans de si nombreuses interventions de chirurgie esthétique que, d’ici avril prochain, j’aurais la peau du visage aussi tendue que celle d’un tambour. Ah… les potins dans le monde du théâtre!

Je me suis sauvé et ai trouvé refuge sur un banc, à l’extérieur du Starbucks. Mais elle m’a suivi. Debout, là, sur les marches du café, elle m’a dévisagé et a hurlé : « Tu es le meilleur dentiste du monde! » Quelle chose étrange. Elle hurla de nouveau : « Tu es le meilleur dentiste du monde! » Vraiment très bizarre. C’était complètement fou. Et potentiellement dangereux. Enfin, si jamais le jury du Prix Siminovitch en avait vent? Que se passerait-il s’il apprenait que j’étais dentiste et non pas créateur de marionnettes? Il me déposséderait du Prix avant même que j’aie eu le temps de mettre la main dessus. « Tu es le meilleur dentiste du monde! »

Je me suis levé, prêt à partir, je l’ai regardée et lui ai dit : « Vous savez très bien que je ne suis pas dentiste ». Ce à quoi elle répliqua : « Tu es le meilleur dentiste du monde! » Je l’ai de nouveau dévisagée pendant une demi-seconde et je me suis alors rendu compte de deux choses : un, qui étais-je pour la contredire? Je puis vous assurer que je n’ai jamais tâté de la dentisterie amateur. Que je ne suis pas diplômé en chirurgie dentaire. Mais si elle voulait hurler à qui voulait l’entendre que j’étais le meilleur dentiste du monde, qu’est-ce que cela pouvait bien faire? Qui sait, peut-être y a-t-il un prix qui récompense aussi le meilleur dentiste du monde? J’aurais peut-être pu doubler mes revenus!

La deuxième chose dont je me suis rendu compte est la suivante : elle n’était ni sorcière, ni voyante, ni folle. Elle était cet être étrange et magique que je cherche dans les tramways, les aéroports et les cafés. Cette magnifique créature hurlante et imparfaite était mon inspiration, ma muse.

Pendant des années, on m’a demandé : « Bon sang, Ron, comment tu trouves tes personnages? » Eh bien. J’ai un chaudron où bouillonnent toutes sortes de niaiseries et d’inventions dans mon studio, mais la source de mes personnages, c’est nous. Nombreux sont les marionnettistes à façonner des personnages fantastiques, des gargouilles et des monstres, des anges et des démons, des elfes et des animaux qui parlent. Je crée de petits personnages, des représentations plus petites de nous tous; parce que dans mon espèce, il y a assez d’anges et de démons.

Alors cette femme tout à la fois magnifique, folle et abîmée par la vie qui ne cessait de proclamer que j’étais le meilleur dentiste du monde allait sans aucun doute se frayer un chemin sur scène, dans mon prochain spectacle, une icône en bois ratatinée dont la folie et le désespoir évoquaient la condition humaine. Une vision iconique de nous-mêmes sur scène qui peut-être ne se prête à aucune discussion, mais se laisse simplement ressentir.

Je suis le produit de mes mentors et de leur confiance en moi. De prestigieuses, magnifiques et imparfaites brutes de l’art du spectacle de marionnettes qui m’ont appris à dessiner, à sculpter et à observer, mais surtout, m’ont poussé à dépasser les limites du simple divertissement facile et charmant que cet art était devenu. Je suis aussi le produit de mon pays et de la confiance qu’il m’a faite. Certes, le Canada anglophone n’est peut-être pas le lieu de prédilection de la création théâtrale de l’heure, mais je continue de croire que je suis ici devant vous ce soir simplement parce que j’étais un enfant canadien passionné de marionnettes. Nous avons peut-être tous la responsabilité de faire de notre environnement un monde meilleur. En tant que marionnettiste, fils et Canadien, j’espère pouvoir y parvenir en échange des immenses faveurs qui m’ont été accordées.

J’ai une énorme dette envers les collègues et les artisans qui ont travaillé avec moi au cours des années pour créer mes marionnettes. Leur amitié, leur passion et leur souci du détail n’ont cessé de faire de moi une personne meilleure et m’ont poussé à continuer alors que je me retrouvais parfois assis sur une montagne de sciure, à me demander comment j’allais bien pouvoir honorer une autre échéance impossible. Je suis aussi reconnaissant et redevable envers un nombre incalculable de concepteurs, d’auteurs, d’acteurs, de danseurs, de techniciens et de musiciens qui m’ont inspiré, m’ont remis en question et plus encore m’ont fait la grâce de leur générosité d’esprit. Personne n’a bénéficié d’une plus grande bonté.

Pour Martin Stevens, mon mentor, qui, mon père mis à part, a été l’homme le plus influent dans ma vie et certainement l’un des plus dignes d’être cité, une marionnette était une idée mise en forme et en mouvement. Il insistait pour que les trois éléments indispensables soient présents : la forme physique, la pensée ou l’impulsion à l’origine de la création du personnage et le mouvement sur scène. Je me suis rendu compte l’autre jour qu’il s’agissait là d’une excellente description; elle s’applique aussi à la vie d’une personne. C’est pourquoi je suis reconnaissant d’avoir obtenu le Prix Siminovitch de théâtre qui ne manquera pas de me pousser à réfléchir et à aller de l’avant, encore et toujours. Je pars en tournée avec mes spectacles depuis l’âge de 14 ans. Ma carrière est plus longue que celle du premier ministre. Alors, grâce à ce fol acte de foi et de confiance répétée dans le gamin passionné de marionnettes que le Prix Siminovitch récompense aujourd’hui, cette voix audacieuse, unique, issue du Nouveau Monde et éminemment canadienne continuera de se faire entendre.

Je vous remercie.

En retour, j’ai le plaisir de pouvoir faire bénéficier une jeune artiste canadienne, elle aussi conceptrice de marionnettes et marionnettiste, de mon vote de confiance et d’une partie de ce Prix extraordinaire. Il s’agit d’une jeune femme qui est à n’en pas douter une puriste. Elle a assisté à un spectacle de marionnettes d’un compatriote – ce compatriote – il y a quelques années et s’est dit… eh… c’est ce que je veux faire. Elle est partie étudier à l’Institut international de la marionnette, en France, en est ressortie diplômée et a, elle aussi, rapporté toute cette richesse dans ses bagages. Une jeune femme qui, lorsque je lui ai téléphoné pour lui annoncer qu’elle avait gagné une partie de ce Prix, s’est mise à pleurer et s’est écriée : « Je vais pouvoir monter un nouveau spectacle! ». Je n’aurais pu mieux choisir. Il s’agit de Clea Minaker. J’ai l’immense plaisir de vous la présenter à titre de protégée du Prix Siminovitch de théâtre de cette année.

J’aimerais commencer par quelques remerciements.

• Merci à Joe Rotman et aux autres donateurs fondateurs d’avoir fait preuve de vision et de générosité en créant ce prix.
• Merci à Andrew Auerbach et au personnel de BMO d’avoir orchestré cette belle soirée.
• Merci également à Lou et à Elinore Siminovitch : Je suis convaincu qu’Elinore serait fière de ce qui a été accompli ces 12 dernières années, du nombre de vies qui ont été touchées. L’obtention d’un tel prix a un impact non seulement sur les lauréats, mais aussi, grâce à l’effet domino, sur les collègues de ces lauréats, la collectivité et, au bout du compte, le public.
• Merci à Maureen Labonté et à son jury distingué : Alison Green, Shawn Kerwin et Jock Munro, qui sont parmi nous ce soir, ainsi que Claude Goyette et Leigh Ann Vardy. Personne ne doit envier la tâche qui vous a été confiée.
• Et merci à Jennifer Tarver d’avoir fait une mise en candidature aussi élégante et persuasive. C’est certainement pour cela que je suis ici ce soir. Tu as été ma metteure en scène, ma collaboratrice, ma championne et ma partenaire d’entraînement pour un grand nombre de projets maintenant, et je suis très fier de te considérer comme une amie. (Pour ce qui est de la sauce à enchiladas que tu m’as fait passer à la frontière, elle n’entrait pas dans mes bagages à main, alors je vais la garder jusqu’à la prochaine fois que nous allons travailler ensemble…)

Et merci à vous, mes collègues scénographes! J’apprécie votre expérience, je suis inspiré par votre vision et je me nourris de vos réalisations et de vos succès. J’ai été très honoré de faire partie de la courte liste de finalistes aux côtés de Richard Feren, d’Anick La Bissonière, de Richard Lacroix et d’Alan Brodie, mon collègue éclairagiste.

J’aimerais aussi souligner la contribution des anciens lauréats du Prix, dont certains sont parmi nous aujourd’hui : John Mighton, Ronnie Burkett et Kim Collier. C’est une grande leçon d’humilité que d’être en compagnie de gens aussi illustres. (J’avais espéré que l’un d’entre vous me paie un verre pour me dire comment contrôler ma nervosité…)

Enfin, merci à toutes les autres personnes présentes ici ce soir qui consacrent une grande place au théâtre dans leur vie, que ce soit à titre de comédiens ou en nous appuyant et en nous témoignant leur appréciation. Je vous salue bien bas.

Je suis un spécialiste de l’éclairage, et non des mots, alors ceci est un défi de taille pour moi. Ironiquement, même si je travaille avec les projecteurs, je suis rarement sous les feux de la rampe. En réalité, les concepteurs d’éclairage sont souvent les derniers à se joindre au processus de répétition et les premiers à quitter, alors il est facile de se sentir en retrait des autres; les gens que nous croisons dans les couloirs ne savent pas exactement qui nous sommes, ou même ce que nous faisons exactement. Donc, merci de souligner notre présence.

Je suis tombé amoureux du théâtre à l’école secondaire. J’ai bien l’impression que ça avait autant à voir avec la découverte du « monde du théâtre » qu’avec le fait d’avoir une excuse pour manquer les cours. Mon professeur de maths, M. Hurst, n’a rien fait pour m’en dissuader. Il a vu en moi quelque chose que je n’avais pas encore remarqué et il m’a remis un billet d’accès illimité à la salle de spectacle, une sorte de laissez-passer pour sécher les cours à volonté et passer encore plus de temps à l’auditorium.

Pour obtenir un emploi d’été, j’ai posé ma candidature au forum de la Place de l’Ontario. Mon père m’a suggéré de demander à notre député provincial George Kerr de m’écrire une lettre d’appui, ce que j’ai fait, et, oh miracle!, j’ai obtenu cette lettre. Plus étonnant encore, on m’a embauché. Ça a dû laisser bouche bée la troupe expérimentée, qui ne pouvait pas savoir que cet étudiant secondaire débordant d’enthousiasme avait en quelque sorte bénéficié d’une nomination politique.

À 18 ans, il n’est vraiment pas facile d’essayer de découvrir ce que nous allons faire plus tard. Ma fille cadette est présentement aux prises avec ce débat interne, et j’aimerais lui dire, comme mon père m’a dit avant elle, de faire quelque chose qu’elle va aimer! Après avoir perdu un semestre à étudier en sciences de l’agriculture, j’ai fini par comprendre que je voulais me lancer dans la scénographie de théâtre. Mon père, ingénieur dans l’âme, savait que j’aurais besoin de développer des aptitudes de dessin technique et il m’a remis un bloc de papier quadrillé en me disant : « Tu dois apprendre à écrire une lettre par carré. » (Il m’a aussi dit de me préparer à être souvent sans emploi… ce qui, par miracle, n’a pas été une grande préoccupation dans ma carrière. Durant l’essentiel des 35 dernières années, j’ai été en quelque sorte un travailleur autonome avec un emploi stable… d’une durée d’un mois à la fois.)

J’ai été extrêmement chanceux au cours de mes années formatrices. À mon troisième été à la Place de l’Ontario, on m’a demandé d’aller m’occuper du son au Shaw Festival (ça a été le début d’une collaboration qui s’est échelonnée sur 25 ans). On m’a ensuite accepté au Studio and Forum of Stage Design à New York, où j’ai étudié deux ans sous la férule de Lester Polokov (je dois un gros merci au Conseil des arts du Canada). Lester, qui a probablement été mon plus grand professeur, m’a appris à voir le monde sous un nouvel angle et à imaginer comment les autres pouvaient voir et percevoir les choses. J’ai tiré des enseignements de quelques-uns des meilleurs scénographes de Broadway et j’ai été grandement exposé à la scène théâtrale américaine, mais ça m’a surtout permis d’apprécier mon identité. Je voulais en apprendre le plus possible, mais de plus en plus, je sentais l’urgence de revenir au Canada et d’appliquer mes connaissances à la sauce canadienne en travaillant dans un théâtre canadien. C’est une décision que je n’ai jamais regrettée.

Ma carrière dans le milieu de l’éclairage s’est mise en branle ici à Toronto, au Tarragon Theatre, comme pour bien d’autres avant moi. Bill Glassco a posé un grand acte de foi en faisant de moi son éclairagiste maison. J’ai pu avoir un emploi stable durant deux ans et demi, travailler avec des auteurs, plancher sur de nouveaux scénarios et découvrir cette famille extraordinaire de créateurs… J’ai appris sur le tas. (Je suis fier encore aujourd’hui que l’une de mes conceptions d’éclairage ait déjà fait partie de la liste des coups de cœur du public dans un sondage du théâtre Tarragon, au même titre que les biscuits des concessions, qui, soit dit en passant, étaient excellents.)

Lorsque Christopher Newton a pris la direction du Shaw Festival en 1980, il a transformé radicalement l’ensemble du théâtre. Il a amené avec lui sa merveilleuse équipe de scénaristes et ensemble, ils ont redessiné l’intérieur du théâtre et revu son importance sur les scènes du Festival. En tant que jeune scénariste, c’est probablement l’expérience qui m’a le plus transformé au cours de ma carrière. C’est ainsi que j’ai rencontré l’éclairagiste Jeffrey Dallas, qui est devenu l’un de mes collègues et mentors les plus importants. (Jeffrey nous manque encore beaucoup.) J’ai eu le privilège de monter plusieurs spectacles avec Christopher, chacun d’entre eux s’étant avéré une expérience unique dont je vais toujours me souvenir.

À New York, il y avait une foule de scénaristes adjoints qui apprenaient les rouages de leur métier dans les tranchées, mais au Canada, il y avait peu de modèles vers lesquels se tourner dans les années 1970. Mes pairs et moi avons donc commencé à ériger des structures en prévision de l’avenir : nous avons créé des postes d’adjoints et nous étions toujours à l’affût des nouveaux talents.

Le théâtre est un apprentissage perpétuel; j’apprends toujours quelque chose de mes collègues, sur mon métier et sur le travail lui­même. Au fil des ans, j’ai eu la chance de collaborer avec beaucoup de grands artistes et artisans sur de petits et de grands projets de théâtre, de ballet et d’opéra. En particulier, j’ai pu travailler avec quelques grands metteurs en scène et chorégraphes qui ont une influence sur moi : Robert Lepage, qui a fait voler en fumée mes idées préconçues au sujet de l’opéra, Robert Carson, Peter Hinton, qui n’a jamais eu peur du côté sombre, William Forsythe, Jonathan Miller, qui m’a montré comment mettre en lumière Shakespeare, James Kudelka, Neil Munro, qui a fixé les normes en matière de recherche, Eric Bruhn et Derek Goldby, qui m’a présenté Berlioz et montré comment mettre en lumière avec panache! Je ne veux pas dresser une liste de noms, mais simplement reconnaître la chance extraordinaire que j’ai eue. Et il y a bien sûr Jennifer, qui est tellement collaboratrice, adore le processus et me laisse essayer des choses complètement folles

Pour paraphraser Martin Mull, parler de l’éclairage, c’est un peu comme danser sur de l’architecture. Mon moyen d’expression, la lumière, a été créé et conçu pour l’œil de l’être humain. Il est insaisissable, difficile à documenter et pratiquement impossible à articuler. (C’est déjà assez difficile avec mes collègues, alors vous pouvez imaginer ce que c’est auprès d’un auditoire aussi diversifié que celui-ci!) Le fait est que l’éclairage de scène n’existe qu’à un moment précis dans le temps. Il exprime le temps, il l’exagère et, tout comme les personnages qui jouent sur la scène, il fait partie intrinsèque de la pièce. L’éclairage est vivant.

La beauté de l’éclairage, tout comme la conception sonore, est sa capacité à exercer un impact émotif sur une production, donc sur le public. Mais ce n’est pas facile à quantifier. Qu’est-ce que je peux dire en rentrant à la maison à la fin de la journée? Que j’ai passé 14 heures à embellir une œuvre. À la rendre plus suggestive. Plus sinistre. Plus provocatrice. Plus séduisante. Bref, plus conforme à ce qu’elle devait être.

Je travaille présentement à Montréal sur une production de la pièce RED de John Logan, l’histoire romancée du peintre américain Mark Rothko et de son jeune assistant. Cette cantate fabuleuse explore la nature et la définition de l’art. Pendant que je réfléchissais à ce que j’allais dire ce soir, les thèmes de ce discours continuaient à raisonner. Et ça m’a fait me demander si je pourrais un jour me considérer comme « un artiste ». Il ne s’agit pas ici de fausse modestie ou d’un quelconque cliché de l’insécurité – bien que je vive dans la crainte perpétuelle qu’un jour on me surprenne en pleine représentation!

L’autre particularité de l’éclairage, c’est qu’il n’existe que de concert avec les autres éléments créatifs. Assurément, le théâtre est un véritable concert d’artistes. L’éclairage n’a d’importance que dans l’élaboration d’une idée ou d’une vision, que ce soit celle d’un metteur en scène, d’un autre scénariste ou de l’histoire, ou dans la transposition d’un moment émotif qui exige une certaine forme ou une certaine orientation.

Chaque production est unique. Dans la mesure du possible, mon approche consiste à n’avoir aucune approche… je cherche à tirer toute mon inspiration du texte ou de la musique, de la salle de répétition et du cheminement collectif de mes camarades artistes. Ma préparation est celle d’un voyeur : recueillir chaque jour de manière obsessive des images et des observations de la nature, de l’architecture, des médias et de l’art visuel. Noter les effets de la lumière sur les gens, leurs vies et leurs environnements, ainsi que les interprétations émotionnelles ainsi évoquées.

Pour chaque nouveau projet, j’essaie de me réinventer en me dissociant de mes expériences antérieures. Je vois mon travail comme celui de n’importe quel autre artiste : tâcher de découvrir, aux côtés du metteur en scène, l’univers de la pièce et le message que nous cherchons à véhiculer. C’est ce qui fait le charme et l’immense plaisir de notre travail : chaque nouveau projet nous donne la possibilité de nous projeter dans un nouveau maelström d’expériences.

Bien sûr, tout cela n’est pas simplement une « nage avec les dauphins ». Peu d’artistes peuvent vivre uniquement de ce qu’ils gagnent en faisant du théâtre. Les rigueurs de la vie de travailleur autonome, la recherche continuelle de travail… tout cela peut être éreintant. Il faut faire des choix et porter beaucoup de chapeaux. Pour moi, il n’est jamais facile de dormir la veille de la remise d’un plan d’éclairage, une échéance qui arrive toujours trop rapidement.

Et puis, le monde dans lequel nous créons est de plus en plus difficile et impassible. Un jour, une communauté pleure la perte d’une grande institution, et le lendemain, une autre est aux prises avec un scandale de gouvernance ou un congédiement injuste. Les théâtres doivent se serrer la ceinture, et cela se reflète sur la programmation, de même que notre vision de plus en plus étroite. Comment pouvons-nous compétitionner avec les vidéos en continu et la téléréalité?

Dans RED, le personnage fictif de Rothko s’insurge désespérément contre la montée en puissance de la culture d’économie de marché. Par­dessus tout, il exècre la marchandisation de l’art : un travail qui cherche à être décoratif, à être à la mode ou simplement à être pratique.

Au sujet de ses propres tableaux, il dit : « ce n’est pas beau, ce n’est pas raffiné, c’est authentique. Et peu importe ce que c’est, ce n’est pas joli. Je suis là pour vous surprendre, vous comprenez?!? Je suis là pour vous faire réfléchir! »

Le théâtre, c’est important. Il nous donne la capacité de réfléchir à notre expérience et de raconter nos histoires. De remettre en question les perceptions, les suppositions et les superstitions de la société. Et il nous permet de le faire avec un moyen d’expression vivant, en complicité avec un public. Maintenant, plus que jamais, les frontières se déplacent et les distances diminuent. À un moment où le besoin de participer à des échanges culturels internationaux est urgent, nous avons la responsabilité de partager nos histoires avec les autres et avec le monde.

Le Prix Siminovitch est la plus importante marque de reconnaissance que nous pouvons obtenir de la part de nos pairs dans le milieu du théâtre canadien. C’est un bel exercice d’humilité! Et au-delà de la simple reconnaissance, ce prix a pour but de motiver son lauréat à aller encore plus loin. C’est fantastique! Dans un monde qui place la jeunesse et la nouveauté sur un piédestal, il est rassurant de savoir que je peux encore apporter quelque chose. Que j’ai encore quelque chose à accomplir.

Dans Red, Mark Rothko demande à son assistant de passer du temps avec les maîtres. Il dit ceci : « En tant que peintre, le courage, ce n’est pas de faire face à une toile noire. C’est faire face à Manet. Faire face à Velasquez… »

Je suis ravi de cette récompense, ravi de pouvoir moi-même côtoyer quelques-uns des « maîtres ». C’est comme recevoir un autre laissez-passer pour l’auditorium 35 ans plus tard.

De l’autre côté des feux de la rampe, le Prix Siminovitch incarne la passion et l’engagement de ses donateurs et de ses parrains. Dans le contexte d’une indifférence grandissante de la part du gouvernement, il est encourageant de savoir qu’il y a encore des organisations et des gens qui ont un amour profond pour les arts. Un prix comme celui-ci aide beaucoup à transmettre la valeur de la culture dans notre pays. Et pour cela, je vous en félicite.

Ce qui est le plus intéressant lorsque l’on gagne le Prix Siminovitch, c’est d’avoir l’immense plaisir de pouvoir choisir une étoile en devenir pour partager une partie des honneurs. J’ai choisi deux scénaristes prometteurs pour partager le prix du protégé. Ça a été pour moi un honneur et un plaisir de travailler avec eux et d’être leur mentor, et je crois qu’ils seront bientôt des figures de proue dans le milieu de l’éclairage canadien.

Le premier est un jeune homme que j’ai rencontré lorsqu’il était scénariste adjoint à Stratford. J’ai été tellement impressionné par son talent, son coup d’œil, son calme et son potentiel remarquable que je n’ai pu m’empêcher de faire pression pour qu’il obtienne une promotion (je n’étais pas le seul). La saison suivante, j’ai partagé avec lui le plan d’éclairage d’une troupe de répertoire en tant que l’un des éclairagistes de la troupe.

La deuxième personne est une jeune femme qui m’a aidé à faire la transposition d’une grande comédie musicale sur la scène canadienne pendant qu’elle complétait sa dernière année d’études à l’école de théâtre Ryerson. Elle a supervisé le montage en mon absence, et lorsque je suis revenu, elle dirigeait déjà la troupe avec l’aplomb d’un vétéran. Elle m’a aidé sur de nombreux projets depuis, et j’ai été grandement impressionné par ses idées audacieuses et sa vision de la création. Nous avons récemment conçu conjointement une production, et elle sera chargée de mener à bien mon projet actuel à Montréal.

Dans RED, Mark Rothko finit par congédier son assistant. Il lui dit : « Tu n’as plus besoin de passer du temps avec moi. Tu dois rejoindre tes contemporains et créer ton propre univers, ta propre vie. Tu dois y aller maintenant. Sauter dans l’arène et tendre le poing en direction des autres. Faire quelque chose de nouveau. »

Mesdames et Messieurs, c’est pour moi un grand honneur de vous présenter ces deux collègues : Jason Hand et Raha Javanfar.