Adrienne Wong

Adrienne Wong

Finaliste, 2025

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Biographie

Autrice dramatique, metteuse en scène, performeuse et créatrice, le travail d’Adrienne Wong chevauche le théâtre et le numérique. Parmi ses nombreux projets figurent The Apology Generator (CBC Radio Q Residency), SadSongs.ca (Nightswimming Theatre), Landline (cocréation avec Dustin Harvey), Me On The Map (cocréation avec JD Derbyshire, nommée aux prix Jessie, Banff Playwrights Lab), Mixie and the Halfbreeds (co-écriture avec Julie Tamiko Manning) et plus récemment SmartSmart. Ses articles de fond ont paru dans diverses publications et revues. Elle enseigne fréquemment et contribue au secteur culturel comme membre du conseil d’administration de la Playwrights Guild of Canada, du comité directeur de Balancing Act et du comité consultatif des HowlRound Theatre Commons. Précédemment productrice artistique au Neworld Theatre, elle est maintenant directrice artistique du SpiderWebShow Performance et conservatrice au FOLDA-Festival of Live Digital Art. Adrienne détient un baccalauréat en arts de l’Université Simon Fraser et une maîtrise en écriture de l’université de Victoria.

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Estelle Shook

Estelle Shook

Finaliste, 2025

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Biographie

Estelle Shook a voué toute sa carrière comme directrice de théâtre, programmatrice, organisatrice et animatrice communautaire à approfondir les liens entre les artistes, le public et le sol. Dans une société qui tend de plus en plus à nous éloigner de la nature et de nos communautés, les histoires et les créations d’Estelle témoignent de l’importance et de la vitalité de nos interconnexions. Son œuvre produit un effet viscéral et transformateur, tant sur les artistes que sur le public. Elle nous invite à aborder de front les changements sociaux et environnementaux nécessaires à la transformation de nos communautés.

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Anne-Marie Olivier

Anne-Marie Olivier

Finaliste, 2025

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Biographie

Anne-Marie Olivier, figure marquante du théâtre québécois, est reconnue comme autrice et interprète. Son parcours débute en 2004 avec Gros et Détail, qui lui vaut le prix d'interprétation Paul Hébert et le Masque du public Loto-Québec. Gros et Détail, which earned her the Paul Hébert Performance Award and the Loto-Québec Public Choice Masque.

Sa carrière d'interprète l'amène à collaborer avec Wajdi Mouawad à l'international pour les productions Forêts, Les Trois surs et Temps. Avec sa compagnie Bienvenue aux dames!, elle crée plusieurs œuvres dont Gros et Détail, Annette, Scalpée, Faire l'amour, et Venir au monde, qui remporte le Prix du Gouverneur général en 2018. Récemment, Maurice et 15 façons de te retrouver confirment son talent exceptionnel. Forêts, Les Trois surs et Temps. She has also created several works through her own company Bienvenue aux dames!, including Gros et Détail, Annette, Scalpée, Faire l’amour, et Venir au monde, which won the Governor General’s Award in 2018. Her exceptional talent was more recently confirmed in Maurice et 15 façons de te retrouver.

Son travail se distingue par la cueillette d'histoires vraies et la quête de sens. De 2012 à 2022, elle assure la codirection générale et artistique du Théâtre du Trident. Aujourd'hui, elle se consacre pleinement à la création et enseigne au Conservatoire d'Art dramatique de Québec.

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Jean-Simon Traversy

Jean-Simon Traversy

Membre du jury, 2025

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Biographie

Jean-Simon Traversy est metteur en scène et codirecteur artistique de Duceppe avec David Laurin. Auparavant, ils étaient à la barre de la compagnie LAB87.

Pour Duceppe, Jean-Simon a mis en scène Le Terrier de David Lindsay-Abaire, Manuel de la vie sauvage, adaptation du roman de Jean-Philippe Baril Guérard, Manikanetish, adaptation du roman de Naomi Fontaine par Julie-Anne Ranger-Beauregard et Janette de Rébecca Déraspe.

Il a remporté, avec Virginie Brunelle, le Prix de la mise en scène pour Royal, adaptation du roman de Jean-Philippe Baril Guérard.

Avec LAB87, il a monté Les flâneurs célestes d'Annie Baker, Constellations de Nick Payne et Yen d'Anna Jordan. Jean-Simon a aussi assuré la mise en scène de nombreuses pièces parmi lesquelles Simone et le whole shebang d'Eugénie Beaudry, Hamster de Marianne Dansereau et Nos coeurs remplis d'uréthane d'André Gélineau.

De 2014 à 2017, il a été conseiller artistique de Claude Poissant au Théâtre Denise Pelletier.

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Actualités Simi

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Simon Rossiter

Simon Rossiter

Membre du jury, 2025

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Biographie

Simon Rossiter est un concepteur d'éclairage basé à Toronto qui conçoit occasionnellement des paysages. Spécialisé dans l'éclairage pour la danse, il a collaboré à plus de trois cents créations avec diverses compagnies (dont Citadel+Compagnie ; Dancemakers ; le Ballet national du Canada ; CôtéDanse ; Soulpepper Theatre Company ; Théâtre français de Toronto ; et Toronto Dance Theatre) Il est directeur du design à Fall for Dance North. Les conceptions de Simon ont reçu onze nominations aux prix Dora Mavor Moore, distinction qu’il a remportée à trois reprises. Il a également été mis en nomination à deux occasions pour le prix Pauline McGibbon décerné par le Conseil des arts de l'Ontario. Simon est également agent d'affaires pour l’organisme Associated Designers of Canada, IATSE Local ADC659, représentant les intérêts des designers à travers le Canada.

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Christine Quintana

Christine Quintana

Membre du jury, 2025

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Biographie

Née à Los Angeles d'un père mexicain-américain et d'une mère néerlando-britannique canadienne, Christine est maintenant une visiteuse reconnaissante des terres non cédées des peuples Musqueam, Squamish et Tsleil-Waututh. Christine est actrice, autrice dramatique, productrice et dramaturge. Lauréate d'un prix du LA Drama Critic's Circle, d’un prix Dora Mavor Moore, du Jessie Richardson Theatre Award, du prix Tom Hendry, d'une nomination au Prix du Gouverneur général et du Prix de la Protégée du Prix Siminovitch pour dramaturgie, les œuvres de Christine ont été traduites et interprétées en espagnol, en français, en allemand et en LSA dans plus de 10 villes du monde. En tant qu'interprète, elle s’est produite sur diverses scènes, allant des grandes salles aux espaces plus modestes, dans un camping-car, dans des quartiers de l'est de Vancouver et dans une ferme. Christine a obtenu une licence en beaux-arts du Acting Program de l'Université de la Colombie-Britannique.

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Mike Payette

Mike Payette

Membre du jury, 2025

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Biographie

Mike Payette est metteur en scène, éducateur et interprète, et s’est produit dans plusieurs des grands théâtres du Canada. Il a travaillé avec de nombreuses compagnies renommées à travers le pays, dont The Citadel, Vertigo, le Centre Banff, Geordie, Artistic Fraud of Newfoundland, Repercussion Theatre, Segal Centre, Centaur, The Grand, Factory Theatre, Neptune et le Centre national des Arts, entre autres.
Centre, Centaur, The Grand, Factory Theatre, Neptune, and the National Arts Centre, among others.

Ses mises en scene incluent: Mischief (Neptune/Tarragon/Native Earth Performing Arts) ; Come Home : The Legend of Daddy Hall, Cockroach, Craze, et Paint Me This House of Love (Tarragon), Takwahiminana (Soulpepper/Punctuate Theatre), Blithe Spirit (Festival Shaw), Choir Boy (Canadian Stage/Arts Club Theatre and Centaur), Harlem Duet (Black Theatre Workshop), Another Home Invasion (Tableau D’Hôte Theatre), Hosanna (Centaur/TDHT), Around the World in 80 Days, et Reaching for Starlight (Geordie), Venus, Burning Vision et Indecent (l'École nationale de théâtre du Canada), Sensitivity (Obsidian Theatre/CBC Gem, dans le cadre de 21 Black Futures), la première en langue française de Héritage – A Raisin in the Sun (Théâtre Duceppe), ainsi que les tournées nationales de The Tashme Project (Tashme Prod/Centaur/Factory/Firehall) et Angélique de Lorena Gale (BTW/Tableau D’Hôte/NAC/Factory/Obsidian). Conférencier à la Toronto Metropolitan University et artiste invité fréquent à l'École nationale de théâtre du Canada, Mike est double récipiendaire du Montréal English Theatre Award (META) et a été cofondateur et directeur artistique de Tableau D’Hôte Theatre ainsi que le directeur artistique adjoint de Black Theatre Workshop. Il a également été directeur artistique et exécutif de Geordie Productions à Montréal, avant de devenir directeur artistique du Tarragon Theatre à Toronto, où il est actuellement basé.

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Danielle Irvine

Danielle Irvine

Membre du jury, 2025

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Biographie

Danielle Irvine originaire de Terre-Neuve, a bâti une carrière distinguée au cours de ses 30 ans dans le théâtre. Parmi ses principales réalisations figurent son enseignement à l'École nationale de théâtre du Canada, ainsi que sa participation en tant que metteure en scène adjointe au Festival de Stratford, où elle a été la première metteure en scène à poursuivre des études au Conservatoire de Birmingham.

Danielle a reçu plusieurs distinctions prestigieuses, dont le Prix John Hirsch pour mise en scène du Conseil des arts du Canada, ainsi que le titre d’Artiste BMO de l'année et le Prix d'excellence de l'artiste décernés par ArtsNL. Elle a également été récipiendaire du Prix de la Protégée du Prix Siminovitch sous Jillian Keiley et, plus récemment, de la Médaille du couronnement du roi Charles III.

Son portfolio de misse en scène comprend des événements allant de spectacles solo intimes à des productions de grande envergure dans des lieux variés, qu’il s’agisse d’espaces dénichés ou de grands théâtres. Parmi les moments notoires de sa carrière figure le co-développement d’une production innovante, reconnue par le PACT comme un jalon important du théâtre en 1997.

Depuis 2014, elle est productrice artistique de Perchance Theatre, où elle allie sa passion pour la culture terre-neuvienne à une narration théâtrale intemporelle.

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Sonoyo Nishikawa

Sonoyo Nishikawa

Lauréate, 2024

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Biographie

Sonoyo Nishikawa, conceptrice d'éclairage originaire du Japon, a étudié à Londres auprès du ministère de l'Éducation et de la Culture du Japon. Sonoyo a travaillé aux côtés de Robert Lepage sur plusieurs de ses créations monumentales dont Le Songe d'une nuit d'été et Les Sept Branches de la Rivière Ota, pièce pour laquelle elle a remporté un prix Dora Mavor Moore. Ses conceptions innovantes lui ont valu de nombreuses distinctions, comme le Prix des meilleurs éclairages et le Prix Jaques-Pelletier. Parmi ses projets récents, citons Les Sept Branches de la Rivière Ota au National Theatre de Londres, Once Upon A One More Time à la Shakespeare Theatre Company de Washington, et Sexual Misconduct of the Middle Classes au Théâtre Centaur.

2024 Protégé

Mayumi Ide-Bergeron

Discours d’acceptation

Merci beaucoup. Je suis vraiment honorée et émue par cette distinction.

Tout d'abord, je tiens à féliciter mes co-finalistes - Itai, Debashis et The Old Trout Puppet Workshop. C'est incroyablement rassurant d'être si bien accompagnée sur cette aventure. Je suis reconnaissante de faire partie de ce groupe.

Je tiens également à exprimer mes sincères remerciements à toutes les personnes impliquées dans le Prix Siminovitch. J’ai vraiment apprécié le soutien franc que j'ai reçu au cours des derniers mois. Au jury qui m'a choisie, merci. Je suis profondément honorée et touchée de recevoir ce prix.

Un merci tout spécial à Anick Labissonniere, Lauréate du Prix Siminovitch 2015, pour sa mise en candidature. Je suis également reconnaissante envers Eo Sharp pour son encouragement et Marie Brassard, Lauréate du Prix Siminovitch 2022, qui a été une présence constante dans ma carrière depuis mes débuts au Canada. Travailler aux côtés de ces femmes incroyables, qui ont toujours été à la tête du théâtre moderne, a été une bénédiction. Je chérirai à jamais leur influence.

Je suis née d'un père fan de cinéma et d'une mère amatrice de théâtre, donc vous pouvez certainement dire que ma famille a grandement influencé mon parcours et ma passion pour le théâtre. Je tiens donc à remercier mes parents et ma famille de leur soutien indéfectible.

Je me rends compte qu'il n'est pas facile d'expliquer ou de comprendre ce que fait une conceptrice d'éclairage. Certaines personnes pensent encore que je ne fais qu’actionner des interrupteurs muraux ou tourner des roues chromatiques. 

La conception d'éclairage demeure un domaine nouveau dans le contexte historique du théâtre depuis la Grèce antique. Cela prendra peut-être des générations avant qu'une petite fille rêve de devenir conceptrice d'éclairage, mais nous vivons une époque où les choses changent rapidement. L'avenir est imprévisible, et je crois que nous devrions être optimistes à cet égard.

La conception d'éclairage est un pinceau distinct, qui enduit tous les arts de la scène. Elle insuffle vie aux tableaux et lie les différents éléments qui y contribuent, mais contrairement à la peinture, je ne peux pas la compléter seule. Je n'existerais pas sans les techniciens. Je remercie donc tous les éclairagistes qui m'ont accompagnée tout au long du parcours, particulièrement mes adjointes: Julie à Montréal et Karen à New York. Votre patience et votre dévouement ont été inestimables.

Au théâtre, peu importe la discipline dans laquelle on travaille, il est essentiel d'avoir une base technique solide, car c'est la racine à partir de laquelle l'art éclôt. J'ai eu la chance d'établir ces bases au Japon, où les concepteurs d'éclairage sont des soi-disant ingénieurs artistiques. Je suis fière de ce titre, car il reflète l'expertise technique requise pour insuffler vie aux arts de la scène.

Le domaine de la conception d'éclairage scénique est étroitement lié aux avancements dans les technologies informatiques et optiques, et il est impossible de les séparer. Si nous devions comparer la technologie d'éclairage d'il y a cinquante ans à celle d'aujourd' hui, nous aurions l'impression d'assister au deroulement de l'histoire, depuis l'âge de pierre jusqu’aux temps modernes. Et j'ai toujours été au coeur de ce creuset évolutionniste.

Cette évolution a facilité l'expression de choses qui étaient autrefois extrêmement ardues d’accomplir. Bien sûr, les outils de pointe continueront à nous inspirer. Cependant, en tant que créatrice de théâtre, je crois que le principe que nous ne devons jamais oublier est que la puissance de l'imaginaire et la sensibilité du public sont essentiels pour apporter le vécu universelle à l'espace artificiel du théâtre.

Pendant mon séjour à Londres, j'ai rencontré le metteur en scène Robert Lepage, ce qui m'a amenée au Canada. J'étais enthousiaste à l'idée de collaborer avec lui, mais je me suis vite rendue compte à quel point ce serait difficile. Son processus créatif était largement improvisé ; il n'y avait aucun texte, et son espace de répétition était une vieille discothèque au plafond bas et ans éclairage. Ayant été formée dans le monde structuré du théâtre au Japon, c'était un tout nouveau monde pour moi.

Je me suis souvent demandée : « Pourquoi moi ? » C’est dans ce désarroi que le maître concepteur d'éclairage David Hersey m'a offert un conseil: « Sonoyo, les nouvelles étoiles naissent toujours du chaos. »

Puis, après trois ans de lutte, Les Sept Branches de la Rivière Ota, une épopée théâtrale de sept heures, est née. Même 25 ans plus tard, elle continue d'être jouée dans le monde entier. C'est une production monumentale dans l'histoire du théâtre, et je suis fière d'en avoir fait partie. Robert continue d'inspirer de nombreux artistes, ce qui, je pense, est la preuve de son génie. Je lui suis éternellement reconnaissante de l’opportunité qu'il m'a offerte.

Maintenant, des années plus tard et après avoir participé à d'innombrables productions, je tiens à exprimer ma sincère gratitude à la communauté théâtrale canadienne de m'avoir accueillie. En tant que personne dont la langue maternelle n'est ni le français ni l'anglais, j'ai été profondément émue par votre générosité.

La création théâtrale est toujours le produit d'un effort commun. Une excellente production n'est jamais uniquement le produit d'une excellente conception d'éclairage. Les œuvres qui résonnent vraiment auprès du public sont celles où chacun d'entre nous se consacre de tout cœur à son champ d'expertise, mais sait quand lâcher prise de notre attachement à nos désirs individuels.

En effet, la magie du théâtre naît au moment où les frontières entre le texte, la scénographie, les costumes, la chorégraphie, la mise en scène, le jeu d'acteur, la musique et l'éclairage s’intègrent si harmonieusement qu'il devient impossible de les distinguer. C'est dans ces moments que le public peut ressentir les profondeurs du récit, au-delà de ce qu'il voit de ses yeux.

Aujourd'hui, je sens que cet honneur qui m’est conféré honore tous ceux qui sont impliqués dans les arts de la scène, tous ceux qui ont consacré leur vie à ce métier. À vous tous, mes sincères félicitations.

Je vous remercie de m’avoir écoutée.

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Mayumi Ide-Bergeron

Mayumi Ide-Bergeron

Protégé, 2024

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Mayumi est une artiste multidisciplinaire bilingue basée à Tiohtià :ke, Montréal et une Canado-japonaise de quatrième génération. Elle a étudié à l'École nationale de théâtre du Canada dans le cadre du programme de scénographie.

Friande de défis, ses créations sont ingénieuses et poétiques, tirant leur inspiration du théâtre français et anglais. Elle s'intéresse à toute la diversité de formes du spectacle, y compris le cirque, la danse, le théâtre, le cinéma et la télévision. Ses créations théâtrales incluent des costumes pour Mizushobai (Tableau d'hôte), Et on campera sur la lune (Les Marcels), et 2playtour 2023 (Geordie), ainsi que la conception d'accessoires pour Kukum (TNM), Chimerica (Duceppe), Le Roi Danse (Denise-Pelletier), Château du Ciel (Théâtre Denise-Pelletier) et 2playtour 2023 (Geordie). Mayumi a également contribué à multiples productions. Mayumi se régale dans la découverte de méthodes de narration inventives. Elle articule sa passion pour l'éco-conception et les pratiques artistiques durables à travers son usage fréquent de matériaux naturels, d’objets d'occasion et de plans de recyclage. Mizushobai (Tableau d’hote),  Et on campera sur la lune (Les Marcels), 2playtour 2023 (Geordie). Props design for Kukum (TNM), « Chimerica » (Duceppe), Le Roi Danse (Denise-Pelletier), Château du Ciel (Théâtre Denise-Pelletier) and  2playtour 2023 (Geordie). Mayumi has also assisted on multiple productions. Mayumi delights in finding creative solutions for storytelling. Her passion for eco-design and sustainable arts practices often articulates itself in natural materials, secondhand objects and recycling plans among others.

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The Old Trout Puppet Workshop

The Old Trout Puppet Workshop

Finaliste, 2024

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Biographie

The Old Trout Puppet Workshop est né d’un humble élan de créer des marionnettes tout en vivant de la terre. Initialement présenté à un public local de cow-boys et de huttériens, leur succès au High-Performance Rodeo de Calgary a embrasé une ambition profonde. Au cours des deux dernières décennies, ils sont passés de leurs racines rurales à une exploitation dynamique à Calgary, embauchant de nombreux employés et produisant divers spectacles et œuvres artistiques. Leurs productions ont fait des tournées au Canada, aux États-Unis et en Europe, et ils mettent également leurs talents à profit dans une variété de projets créatifs tels que la sculpture, les films et du design pour de grandes institutions. 

Last updated November 2024.

Les Truites, à propos de sa sélection pour le Prix Siminovitch 2024

Merci beaucoup. C'est un moment immense dans nos vies. La liste des Lauréats Siminovitch au fil des ans est remplie de nos héros, vraiment - des personnes qui ont tracé la voie à suivre pour nous, qui suivons leurs traces. C'est un grand honneur d'avoir été sélectionné comme finaliste aux côtés d'Itai, de Sonoyo et de Deb. Merci beaucoup au jury d'avoir accepté une tâche aussi impossible et à toutes les excellentes personnes de la Fondation de théâtre Siminovitch - Aimée, Sam, le conseil d'administration, et surtout les personnes qui ont fait des dons à la Fondation pour rendre tout cela possible - ainsi qu'aux cinéastes George, Patrick et Dan - vous avez tous été si généreux avec nous, et le fait que vous consacriez l'énergie de votre vie à ce travail est un grand cadeau pour l'ensemble de la communauté. Et, bien sûr, merci à Lou et Elinore Siminovitch d'avoir été la source d'inspiration de toute cette entreprise. Il est merveilleux de voir comment le Prix Siminovitch a élargi son champ d'action au cours des dernières années pour devenir bien plus un processus qu'un prix. Le fait d'être sélectionné n'est qu'un début - à travers les conversations inédites, le documentaire et même la rédaction de ce discours, nous avons tous été forcés de réfléchir à nos carrières, à nos vies, à notre travail sur cette planète dans le court laps de temps dont nous disposons. Une partie de ce documentaire magnifiquement réalisé comportait une partie d'interview formelle. Patrick et George, que Dieu les aime, nous ont séparés tous les trois pour nous interroger seuls. La lumière s'est allumée dans nos yeux, puis une voix est sortie d'une silhouette en forme de George. Sa première question impitoyable, dès le départ : « pourquoi le théâtre ? » Elle a atterri comme un rocher tiré d'une sorte de catapulte existentielle. Dieu - pourquoi le théâtre ? Comment ne pas avoir la réponse à cette question dans un étui, juste là, sur notre hanche ? Ne l'avons-nous pas tous écrite sur des post-it sur le miroir de notre salle de bain ? Ne chantons-nous pas des chansons patriotiques à ce sujet tout en faisant notre vigoureuse gymnastique matinale ? Et si nous ne le savions même plus ? Et si nous ne l'avions jamais su ? Et si nous nous étions levés et avions crié « tu as raison, c'était une mauvaise idée, oublie ça, nous avons gâché nos vies », arraché nos micros-cravates et couru dans la toundra, nos hurlements s'estompant dans le vent lointain ? Aucun d'entre nous ne se souvient de ce qu'il a dit. Mais maintenant que nous avons eu la chance d'y réfléchir un peu, nous pensons que c'est en fait assez simple. Nous aimons vraiment le sentiment de faire partie d'un grand groupe de personnes. Nous aimons ce que nous ressentons lorsque nous travaillons sur une pièce de marionnette dans un coin de l'atelier, sachant qu'une grande bande de copains travaille sur d'autres parties du même ensemble, avec de la musique à fond sur la chaîne stéréo, de la sciure partout et une grosse marmite de ragoût sur le feu. Nous aimons le genre d'amitié qui naît lorsqu'on jette tout ce qu'on a dans un projet qui semble parfois aussi précaire qu'un radeau de sauvetage fait de vieilles bouteilles de shampoing et de brindilles. Nous aimons la terreur partagée de la soirée d'ouverture et la jubilation partagée lorsque le radeau est mis à l'eau. Nous aimons les fêtes. Nous aimons la scène. Et nous aimons la sensation d'un public qui rit, applaudit, respire, déballe des pastilles, peu importe - ce que nous voulons dire, c'est que nous aimons la chaleur humaine - une chaleur humaine réelle, pas figurée. La présence d'autres corps, comme nous avions l'habitude de nous sentir entassés sur le sol de la grotte, blottis dans un tas contre le monde cruel qui nous attendait à l'extérieur, qui apporte avec elle le sentiment que nous traversons quelque chose ensemble, que nous sommes changés ensemble, que nous sortons de quelque chose ensemble - en passant un peu de notre vie sur cette terre avec ces autres personnes particulières, sur la scène, dans les sièges à côté de nous, des camarades dans un voyage absurde et magnifique. Le plus beau dans tout cela, un cadeau de toutes les personnes qui travaillent à la réalisation de cette soirée, c'est que c'est une occasion pour nous tous, le clan étrange et merveilleux du théâtre canadien, de faire un grand bravo pour qui nous sommes, où nous avons été, et où nous allons. Qu'est-ce que c'est, une grotte, un atelier de marionnettes ou un radeau de sauvetage ? Choisissez une métaphore, les truites ! Quoi qu'il en soit, nous sommes extrêmement heureux d'en faire partie. Merci de nous avoir accueillis. Nous tenons également à remercier certaines personnes en particulier. Jill Keiley, qui a proposé notre candidature, et les personnes adorables qui ont écrit des lettres de soutien à notre candidature, Vanessa Porteous, Bradley Moss, Louise Lapoint et Brenna Corner - vraiment, votre foi en nous nous a donné du courage depuis le tout début. Marcie Januska, notre intrépide directrice exécutive, qui est à l'origine de tout. À notre ancien directeur général, Bob Davis, qui a dirigé le navire pendant plus de dix ans, et à Cimmeron Meyer avant lui, qui a également conçu nos éclairages et fait mille autres choses, et à Donna Kwan avant lui, ainsi qu'à notre conseil d'administration ridiculement solide, à notre ami et propriétaire Doug McKeag, et à notre grand mentor Grant Burns - c'est à vous tous que nous devons une grande partie de ce que nous avons accompli au fil des ans. À Steve Pearce, Bobby Hall et tous ceux qui étaient avec nous les premières années. À nos collaborateurs très appréciés - Jen Gareau, qui insuffle la vie à toutes nos marionnettes avec ses costumes exquis, Lane Shordee, notre protégée, courageuse maîtresse de l'atelier, Mike Rinaldi, concepteur sonore de l'émotion et de l'hilarité, Elaine Weryshko, qui dirige l'Académie canadienne du masque et de la marionnette, et qui remplit notre atelier de vie et d'agitation, notre fabuleux ensemble Famous Puppet Death Scenes, et tant d'autres. Nous remercions nos parents pour tout ce qu'ils ont fait. Nous remercions nos enfants, Sofía, Max, Juno, Walker, Zaria, Zoe, Zack, qui nous inspirent, supportent nos absences et nous accueillent lorsque nous sommes partis. Et surtout, nous remercions nos épouses et nos partenaires, qui sont la réponse à la question : pourquoi la vie ? Mercedes Bátiz-Benét, Nan Balkwill et Jennifer Coveyduc.

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Actualités Simi

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Debashis Sinha

Debashis Sinha

Finaliste, 2024

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Biographie

Debashis Sinha est un artiste aux multiples facettes connu pour son travail innovant à travers divers médias, y compris les performances audiovisuelles en solo et la musique électronique. L’alliage distinctif de son héritage canado-sud-asiatique, et de son expertise en percussions du monde et en technologie constitue le moteur de son exploration créative. Primé pour ses contributions en tant que compositeur et concepteur sonore dans le théâtre et la danse, Sinha est lauréat, entre autres, du Louis Applebaum Composers Award 2023. Il est également un éducateur dévoué et professeur adjoint titulaire à la Toronto Metropolitan University.

Last updated November 2024.

Debashis, à propos de sa sélection pour le Prix Siminovitch 2024

C'est un honneur incroyable de faire partie de cette brillante cohorte de finalistes. Je suis encore un peu désorienté de faire partie de ce groupe. Sonoyo, Itai, Pete, Pityu et Judd, je suis tellement reconnaissant et honoré d'être dans le même souffle que vous tous.

Il y a beaucoup de choses dont je pourrais parler dans ces remarques, mais je veux parler du son, parce que pour moi, les façons dont j'y pense, les façons dont nous pouvons travailler avec lui, nous amènent à toutes les choses dont nous devons parler, tous les jours.

Alors que je me débats avec les considérations tantôt transcendantes, tantôt prosaïques qui constituent la vie d'un compositeur de théâtre et d'un concepteur sonore, j'en reviens sans cesse à cette conviction : le son est magique. La magie qu'il possède est latente, secrète et globale, et dans le théâtre en particulier, elle se révèle en écoutant ensemble - avec le metteur en scène, les acteurs et les concepteurs, le personnel d'appui et les autres personnes qui traversent les bâtiments où nous travaillons. Elle se révèle aussi lentement lorsque je travaille seul dans mon studio, à la recherche de différents sons et mélodies, de la bonne réverbération, du bon bruit de porte, alors que j'essaie de rendre audible ce que Roland Barthes appelle « l'envers du sens », de rendre audibles les relations qui se déploient à travers le texte et à travers les personnes qui le parlent et se meuvent avec lui. Le processus de recherche et de découverte de la magie n'est que faiblement perceptible, mais il se révèle pleinement dans l'expérience du travail avec les autres, en donnant vie à une histoire.

Travailler dans le domaine du théâtre m'a donné l'occasion de diriger la magie du son vers les choses que j'apprécie en tant qu'être vivant sur cette planète : La connexion. L'humilité. La joie et le jeu. L'empathie. La collaboration. Action collective. J'essaie de faire en sorte que mon travail avec le son soit basé sur l'instinct, l'improvisation, l'essai et l'échec, mais surtout sur l'écoute. Dans l'espace théâtral, j'ai trouvé un endroit où je peux pratiquer l'écoute, et à travers l'écoute, j'ai découvert que je peux pratiquer une force pour le bien dans le monde. Au théâtre, j'ai trouvé un endroit où développer ces muscles qui ont le potentiel de faire naître le bien, et ensuite de sortir ces muscles dans les rues, dans tous les moments, toutes les pièces et tous les espaces de ma vie. Au cours de ma carrière dans les arts du spectacle, j'ai rencontré tant de bons cœurs qui ont chanté pour moi d'une manière que je n'attendais pas, et j'ai été interpellée par des cœurs qui ne résonnaient pas avec le mien. Et chaque rencontre renforce ma foi sincère dans le travail que nous accomplissons dans nos espaces théâtraux et dans la manière dont nous pouvons l'appliquer au monde.

Pour bien faire du théâtre, nous devons invoquer la communauté - les personnes qui y sont présentes, bien sûr, mais aussi la communauté plus large des créateurs, le public et les communautés humaines et non humaines de notre ville, de notre village, de notre pays, de notre monde. Dans ces invocations, nous soulignons et reconnaissons notre interconnexion. L'expérience collective de la salle de répétition et de la scène résonne à l'extérieur et à travers les murs, une aurore boréale du cœur et de l'esprit qui touche tous ceux qui passent, qui se déplace à travers la planète et toujours vers l'extérieur. De tout ce que j'ai appris dans le cadre de mon travail théâtral au cours de ces dernières années, la communauté est la leçon la plus précieuse. 

Pourtant, nous devons lutter contre ce fait inéluctable : le théâtre ne sauvera pas le monde. Il ne résoudra pas directement les problèmes de l'État, de la politique, de l'idéologie intraitable ou du mal. Il ne fera pas changer d'avis ceux qui pensent que je suis ou que tu n'es pas digne d'espace, de droits de l'homme ou même de vie. Écouter ne signifie pas écouter sans limites, sans aspiration, ou écouter ceux qui n'ont aucun désir d'écouter. Nous devons encore faire de la place pour l'agitation, les embrassades, les manifestations de masse, les syndicats, les grèves, les sit-in, les lettres à nos représentants, les larmes, les sourires, les boycotts, les conversations difficiles autour de la table ou lors de promenades dans les bois. Dans nos salles de répétition, nous devons encore nous efforcer de mettre en place des pratiques de soins réalistes, de soins honnêtes, et de vivre avec et à travers les frictions et les échecs. Et nous tombons tous les jours à côté de la plaque, parce que nous voulons étreindre le ciel.

Chaque projet est porteur de leçons où nous apprenons et désapprenons ce que signifie faire et prendre de l'espace, et faire l'expérience des processus de collaboration avec tous leurs bords durs et doux. J'ai été invitée et on m'a fait confiance pour être dans des pièces où l'on racontait des histoires qui n'étaient que faiblement adjacentes à ma propre expérience dans ce corps sur cette terre, et parfois pour contribuer à des histoires qui ne pouvaient pas faire partie de mon expérience dans le monde. Je chéris cette confiance et, dans l'effort de la respecter, je fais confiance à mon oreille et à mon corps d'écoute. Si j'écoute - le texte, les gens, les idées et les silences - les besoins de l'histoire se révéleront d'eux-mêmes, et je pourrai les bercer et les élever sur un lit de sons. Le théâtre ne sera jamais, jamais suffisant, et c'est bien ainsi, car même ainsi, il peut faire partie de ce qui est suffisant. Parce que le théâtre est un lieu où nous nous réunissons, où nous racontons des histoires et respirons ensemble, et c'est quelque chose qui donne plus de pouvoir à toutes les choses que nous imaginons pour réparer le monde.

Au personnel de la Fondation de théâtre Siminovitch, à ses sympathisants, au jury et à mes sympathisants - en particulier Peggy Baker pour sa nomination - je vous remercie. Vous avez fait de ce moment le nouveau sommet d'un processus de joie, de terreur et d'introspection qui dure depuis que, à l'âge de 12 ans, j'ai essayé d'installer ma batterie à l'envers dans notre sous-sol de Winnipeg pour voir ce qui se passerait lorsque j'essaierais de jouer sur des disques de la série English Beat. Je tiens également à remercier ma mère, qui m'a fait découvrir la scène et continue de me montrer le pouvoir de la narration ; ma sœur, dont l'amour féroce et constant pour le théâtre m'a finalement amené sur ces scènes de manière sérieuse ; et mon père, qui est resté à nos côtés, chaque jour, déconcerté mais compréhensif. Aux personnes avec lesquelles j'ai travaillé : chacune d'entre vous m'a appris quelque chose sur elle-même, sur le fait d'être et de travailler ensemble, sur l'écoute et sur la recherche de l'excellence. Chacun. Chacun. Chacun.

Enfin, je n'aurais pas pu partager ce que j'ai partagé avec vous aujourd'hui, découvrir ce que j'ai découvert sans ma femme Jutta et ma fille Leena. Elles m'ont soutenu en toutes circonstances, même lorsqu'elles ne savaient pas que j'avais besoin de quelqu'un pour me soutenir. Elles m'ont aidé à pratiquer et à incarner les bonnes choses de la vie artistique, et ont eu la patience de me laisser résoudre les difficultés de la vie artistique. Vous avez écouté mes idées et mes sons et m'avez donné des conseils (je te regarde, Leena) sur la manière de les améliorer. Vous vous êtes occupés de la maison pendant ma vie sur la route, vous êtes venus à mes concerts et m'avez aidé à transporter le matériel, et vous m'avez aimé chaque jour pendant tout ce temps - je n'aurais jamais pu faire quoi que ce soit qui s'approche de ce que j'ai fait sans vous deux. Cet honneur vous revient autant qu'à moi.

« L'art est une situation », dit le poète syro-yéménite Jalal Al-Ahmadi. Comment allons-nous y faire face ? La réponse change tous les jours, et c'est ce qui me retient, ce qui nous retient tous ici, à célébrer le pouvoir et la joie de raconter des histoires. Je suis ravie que nous soyons réunis pour honorer le processus qui consiste à donner un sens au monde ensemble.

Les histoires qui bourdonnent dans nos vies ne cesseront jamais. Puissions-nous toujours être ouverts à leur pouvoir.

Je vous remercie.

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