Le pouvoir de la conception de décors et de costumes existe dans le silence. Ils sont un paysage hanté, chargé sur scène; la peau d’un personnage dans laquelle un acteur est venu s’insinuer. Le design est la narration visuelle qui s’adresse à l’esprit rationnel et au cœur irrationnel du public. Le langage subliminal capable d’évoquer l’émotion intense, et même de remettre en question nos préjugés culturels. Autant le design doit être osé, fort et porteur de message, autant les designers doivent créer avec courage, curiosité et un point de vue.

Mais quels sont les éléments qui font un grand design, qui propulsent une carrière, qui enrichissent une pratique artistique? Tout comme le côté éphémère du théâtre, ces réponses peuvent sembler intangibles. Mais quand je regarde le chemin qui m’a amenée à ce moment, les réponses deviennent évidentes.

Quand j’étais une petite assistante de vingt-cinq ans à Stratford, j’ai mentionné à Miles Potter que je n’avais pas décroché de contrat à Toronto parce que, me disait-on, je n’avais pas assez d’expérience. Il m’a immédiatement confié la conception des costumes pour une production qu’il dirigeait sur la scène principale du Grand Theatre à London. Alors que je n’étais qu’une designer émergente, Peter Hinton a pris une chance, et m’a engagée pour faire les décors et les costumes pour une adaptation de King Lear dont il faisait la mise en scène au Centre national des arts. Ce que Miles et Peter voyaient, c’était mon potentiel, et ils m’ont donné une chance qui était bien au-delà de mon expérience. Pour une jeune designer ces votes de confiance ont été, personnellement et artistiquement, transformateurs. La générosité d’esprit peut changer la vie d’un jeune artiste.

Ces relations sont essentielles pour bâtir les fondements de la trajectoire artistique. Le théâtre se crée dans la collaboration – et la confiance sacrée que nous construisons ensemble amène à la découverte, l’expérimentation et le risque. Les menuisiers, les peintres, les accessoiristes, les tailleurs, les perruquiers et la myriade d’artistes spécialisés qui amènent les idées du designer à être réalité, sont les collaborateurs non célébrés et rarement reconnus sur lesquels les designers se fient. Mes designs ne seraient rien sans leur art et leur excellence.

Mais plus important, l’art est enrichi par l’amour de ceux qui nous entourent. Mon père, un banquier, n’a jamais questionné mon choix de devenir artiste. Il s’est peut-être inquiété de ma capacité à joindre les deux bouts, mais il n’a jamais douté de ma capacité de persévérance. Ma mère m’emmenait enfant au théâtre, elle cousait les costumes que je dessinais à l’école secondaire, elle a veillé avec moi jusqu’aux petites heures à coudre une robe en Tyvek pour un spectacle pour lequel je n’étais pas payée. Mon compagnon de vie et collaborateur essentiel, Christopher Morris, me soutient pendant mes longues heures de travail, et il subit mes élucubrations lorsque je tente de résoudre le casse-tête d’un nouveau design. Ma fille de sept ans, Eileen, qui est pleine d’étonnements et de questionnements, me ramène à la magie et à la joie de notre monde. L’amour est une bénédiction. Et c’est grâce à l’amour et au soutien que les artistes se font et que l’expression artistique s’approfondit.

Je suis honorée d’être la Lauréate du Prix Siminovitch. D’avoir la chance, à mi-carrière, de pouvoir faire le point et de réfléchir à ce qui est important pour moi est un cadeau qui change ma vie et dont la valeur va bien au-delà de ce qui est monnayable. Ce Prix est un investissement en théâtre canadien, un art qui est éphémère. Je promets d’être à la hauteur de cette récompense, de toujours poursuivre l’intangible, d’épouser la trajectoire d’une idée, d’innover.

Je suis fière de me tenir aux côtés des autres finalistes – Linda Brunelle, Nancy Bryant et Michelle Ramsay, des designers qui ne cessent de mettre à l’épreuve les limites de leur art, le design. Elles m’inspirent. Je suis une meilleure conceptrice grâce à elles. Et je suis bouche bée devant Peter Hinton, qui m’a si gracieusement mise en nomination pour ce prix. Merci, Peter, pour une décennie de collaboration. Vous avez ouvert les horizons de ma pratique et conforté ma foi dans le pouvoir de transformation du théâtre dans la société.

J’ai eu l’honneur de choisir deux Protégés qui personnifient l’esprit de ce prix. Joshua Quinlan et Joyce Padua sont des concepteurs qui manifestent un potentiel incroyable. Les décors de Joshua sont vigoureux et élégants. Les costumes de Joyce sont aventureux et artistiques. Mais, par-dessus tout, leur ouverture, leur curiosité et leur esprit de collaboration en font les phares de demain dans notre industrie. À tous les metteurs en scène, directeurs artistiques, parrains et philanthropes : continuez de soutenir les designers émergents, ils en valent la peine.

J’aime et je suis également renversée par l’intensité de notre obsession à créer du théâtre, heure après heure, jour après jour alors que nous savons pertinemment que le fruit de notre labeur est voué à la disparition. L’absence de théâtre que nous venons de vivre m’a fait réaliser à quel point je chéris cette camaraderie. Je regarde en avant et je vois de la lumière, dans les collaborations à venir, les publics qui nous reviennent. Être designer en ce moment, où le monde se réveille, est un cadeau.

Merci pour cet honneur. Il n’a pas de prix pour moi.

Ce soir, je suis profondément honorée de recevoir le prix Siminovitch. Je le suis aussi d’avoir été nominée auprès de vous, Camellia, Alexander et Itai qui avez tous les trois un parcours si admirable.

Je suis très émue aussi car cela m’a pris quelques années avant de croire que j’avais ma place dans ce monde du théâtre. Venant plutôt d’un parcours en histoire de l’art et en cinéma, je n’ai pas eu de formation en art dramatique. Mais pourtant, si j’y repense bien, lorsque j’étais enfant, malgré ma timidité, j’ai eu envie de partager très tôt mes intuitions et mes désirs de création avec d’autres, par le biais du théâtre, justement. À l’école de mon village, à Neuville, j’inventais des histoires puis je distribuais les rôles et faisais répéter mes amis pendant la récréation, que je mettais en scène. Et ensemble nous les présentions devant les autres enfants de l’école, en plusieurs séances sur une petite estrade. C’était spontané, une impulsion, je ne sais pas d’où ça venait en moi, mais c’était clairement là. Mon enfance était nourrie de livres qu’il y avait partout dans la maison, car j’ai eu la chance d’avoir des parents extraordinaires qui m’ont toujours appris la curiosité des choses et du monde. Je lisais sans arrêt, voracement, un livre après l’autre. Je voyageais partout de cette façon, je me projetais dans des fictions, des pays étrangers, d’autres vies. Et je dessinais tout le temps aussi. Pour moi, les images et les mots ont toujours été reliés, indissociables, se nourrissant l’un et l’autre.

Mon premier choc devant une image est arrivé toute petite, face à des tableaux de l’église du village. De grands tableaux du XIXème siècle, du peintre Antoine Plamondon, disposés comme chaque séquence d’une histoire à raconter. Celui qui m’a fait la plus forte impression, représentait un ange terrassant un diable grimaçant et le menaçant d’une lance, dans un paysage rocheux indéfini. J’ai découvert plus tard que c’était une copie de Saint-Michel terrassant le démon, du peintre italien Raphaël. Ce tableau me terrifiait, il me hantait. Il déployait une puissance dramatique et une théâtralité étrange, les deux personnages qui la composaient étaient saisis sur l’instant, dans un mouvement, fixés dans une attitude opposée. C’était une fenêtre ouverte sur un fragment d’une histoire qui m’échappait.

Ma fascination pour cette fenêtre ouverte à d’autres réalités, qu’est l’œuvre d’art, m’a conduite plus tard à l’École du Louvre à Paris. Des années d’études durant lesquelles j’ai pu nourrir mon regard en rencontrant les œuvres dans leur matérialité et leur présence. Je m’imprégnais de celles-ci, j’observais leur construction, leur fonctionnement. Les musées composaient une ville parallèle pour moi, j’y allais quotidiennement, retournant voir un tableau, une sculpture, pour en dessiner ou photographier certains détails, comme des mains ou des touches de peintures devenant de mini toiles abstraites à l’intérieur de grands tableaux anciens. Ce temps précieux d’étude et de contemplation a été certainement une des expériences les plus marquantes de ma vie. Des moments de création intérieure, des moments où on ne fabrique rien concrètement mais qui construisent plein de choses en nous. Des années plus tard, je suis revenue avec ma fille Clara arpenter les allées du Louvre. Redécouvrant les œuvres de son point de vue d’enfant, je m’amusais à entendre ses commentaires sur les « vierges à l’enfant » avec leurs voiles bleues et leurs longs cheveux blonds : certaines ont l’air plus gentilles avec leur bébé, mais d’autres ne les regardant même pas ! C’était ce qui la concernait à trois ans …

Après cette période d’incubation à Paris, j’ai ressenti le désir de créer des images en allant étudier en cinéma. La fenêtre-tableau est devenue le cadre d’une image filmée à composer, une esthétique à créer, avec des acteurs et une durée dans le temps. Une image que je devais dès lors créer et construire avant de la regarder, et la monter avec plusieurs autres séquences, pour créer un langage fictionnel en soi. La section de cinéma « film production » faisait partie de la faculté des Beaux-arts à l’Université Concordia. Cette spécificité est très importante, car il s’agissait bien du cinéma, non pas comme partie prenante d’une industrie culturelle, mais bien d’une forme d’art d’abord à expérimenter et à explorer comme telle. En ce sens, je suis reconnaissante à Marielle Nitoslawska qui m’y a enseigné avec passion et qui fût un modèle pour moi de femme artiste, elle qui était directrice photo et réalisatrice. Puis le théâtre est arrivé dans ma vie ou plutôt est revenu. Il a réconcilié mon amour des mots et des images. Il est devenu pour moi comme un grand territoire de création où l’on peut tenter l’expérience de la présence réelle et concrète des corps, des lieux, des images et des mots en un seul temps. Un temps vécu intimement par la présence et la circulation des âmes et des corps, et des mots et des idées; un temps rassembleur, propice au regard et à l’écoute qui permet le passage de différents états, de la rêverie au bouleversement, de l’éblouissement au réveil ou au choc de la réflexion, de la pensée humaine. Une expérience qui peut appréhender tout à la fois, d’un seul regard. Mais un regard constamment en relation avec d’autres regards. Dans la salle comme sur la scène.

Nous ne sommes jamais seuls avec le théâtre. Nos premières intuitions artistiques, brutes, incomplètes et parfois improbables doivent se partager très tôt avec d’autres personnes, pour se mettre à nu au final devant les spectateurs. Cette rencontre avec le théâtre m’a ainsi plongée au cœur de la création, avec la nécessité du choisir, de prendre des décisions, d’aller au bout des idées et de les rendre réelles, tangibles. Le théâtre est un art brutal, on le dit souvent, car il est vrai que l’échéance, la date ultime de la première représentation le transforme parfois en sport extrême et créé le vertige. Mais c’est souvent dans cette tension qu’il puise sa force, il nous pousse à nous commettre et à exposer ce qui n’était qu’une vision imaginaire et à la confronter et à l’offrir aux autres sur le plateau.

Nous ne sommes jamais seuls dans un théâtre qui se fabrique. Que serait l’épanouissement de mon travail sans la complicité artistique profonde et féconde d’abord, qui me lie à Denis Marleau depuis presque vingt ans ? Quand je l’ai rencontré, il était déjà un artiste et metteur en scène reconnu de la scène québécoise et européenne. Sa curiosité et son amour des arts visuels, et des autres arts en général, comme parties prenante et naturelles de sa conception d’un théâtre d’art, m’ont permis avec mes influences et mes quelques savoirs qui venaient d’ailleurs, de me sentir tout de suite accueillie. Sa confiance m’a donné les premiers élans pour oser avancer et élaborer mes idées, directement, et de créer mes images sur le plateau. L’histoire de cette connivence d’esprit et de partage de création entre nous se déroule jusqu’à aujourd’hui, et lorsque je repense rétrospectivement à toutes ces expériences ensemble, je lui suis profondément reconnaissante de m’avoir donner l’opportunité de développer et élaborer mon propre travail artistique au sein d’une compagnie avec une pensée théâtrale qui s’élabore et s’approfondit d’une création à l’autre. J’en profite ainsi pour remercier la petite mais formidable équipe d’UBU, Lina, Gabrielle et Sylvain, qui rendent possibles mes rêves artistiques, ainsi que Jean-Michel Sivry qui en est le président mais aussi un ami et premier spectateur dont le regard sensible nous accompagne depuis tant d’années.

Au théâtre nous ne sommes jamais seuls. Je suis reconnaissante aussi à Pierre Laniel, qui m’appuie techniquement à chaque création avec sensibilité, ouverture et une grande inventivité qui me permet de réaliser mes conceptions vidéo, même les plus impossibles.

Quand je lis un texte, très vite des espaces se forment dans mon esprit et souvent, ces espaces sont si bien liés aux images qui en ressortent, qu’une conception scénographique s’impose d’elle-même. Images vidéo et scénographie sont ainsi composées ensemble. Je reviens donc au cadre premier, car pour moi la représentation théâtrale est aussi une image globale en soi, une représentation à voir, à lire et à ressentir comme l’est un tableau. Si les personnages et le texte sont au cœur de la représentation, ils sont aussi remués, définis, déterminés par un monde sensible qui les entoure et dans lequel ils évoluent. Il y a ainsi une esthétique à fonder, à créer, et elle me semble aussi essentielle que la prise de parole ne l’est.

Au théâtre nous ne sommes jamais seuls. Je tiens aussi à remercier le complice Stéphane Longpré, tout récemment nommé directeur du programme de scénographie à l’École nationale de théâtre, qui m’a si souvent assisté avec justesse et générosité dans nos réunions de création, peaufinant le dessin technique de mes décors jusqu’à leurs maquettes. Je voue également une profonde admiration pour Michel Goulet, grand plasticien et scénographe qui m’a beaucoup appris et fasciné par sa façon de s’engager dans les idées même du texte et ses multiples sens, inventant une forme scénique autonome et puissante en soi, comme une sculpture ou une installation.

Nous ne sommes jamais seuls au théâtre. Il y a aussi ceux qui accueillent nos idées, nos désirs et osent croire au projet que nous avons en tête avant même qu’il n’existe… Je suis ainsi reconnaissante à Ginette Noiseux, directrice de l’Espace GO, de m’avoir accordé sa confiance depuis presque dix ans. Son regard curieux, vif et bienveillant m’a encouragée et m’a permis entre autres, de concrétiser cette année sur scène mon texte Les Marguerite(s), qui synthétise d’une certaine façon mon travail sur l’image, car il est autant une écriture scénique que poétique ; la scénographie et l’image vidéo étant relié au sens même de l’histoire qui y est racontée.

Au théâtre nous ne sommes jamais seuls. Si notre rapport est direct, frontal et en temps présent avec le spectateur, nous avons besoin aussi d’intercesseurs, de médiateurs pour en relayer la trace, la mémoire, en synthétiser les enjeux, en prolonger la réflexion. Je tiens à remercier Marie-Christine Lesage, grande analyste au regard fin et à la pensée claire et brillante, qui permet la résonnance de notre pratique théâtrale auprès des étudiants et au sein de ses écrits, elle qui a notamment si bien fait parler mon travail dans son livre Paysages UBU.

Au théâtre, nous ne sommes jamais seuls. Et dans cet état du monde actuel qui polarise de plus en plus les gens avec des idées extrêmes qui fragmentent et isolent les consciences trop souvent dans la peur et la fermeture à l’autre ; ce lieu de rencontre, de rassemblement et de découverte qu’est le théâtre devient encore plus essentiel, précieux. Dans un monde où la certitude, l’opinion et la réaction immédiate sont trop valorisées, le théâtre permet les questions, la mise en doute, la distance critique, la recherche et la réflexion. La réflexion comme pensée mais aussi littéralement comme reflet, un reflet différé du monde pour le regarder autrement, le parler autrement, le rêver autrement. Oui, réflexion, car les artistes dans le fond n’inventent pas tant que ça, ils regardent et observent parfois juste un peu mieux, plus longtemps, plus attentivement les choses, les paysages, les humains et portent notre attention sur les plus petits détails que personne ne remarque comme sur les enjeux universels qui nous relient tous.

Ainsi je vois le théâtre comme un concentré du monde sans en être sa mimesis, je vois le théâtre comme une expérience de l’autre, de sa différence, de sa façon de voir, de penser et de dire. Je me sens comme une « passeuse » qui relaie la pensée et l’imaginaire d’un auteur avec ses ombres et ses lumières, celle qui accompagne le souffle des acteurs en inventant l’écrin qui pourra les porter. C’est à la fois un travail de création qui prend forme en soi venant de mes expériences intimes mais aussi qui me déplace, m’apprends sans cesse l’empathie, dans sa plus simple définition : la capacité de se mettre intuitivement à la place de son prochain, de ressentir la même chose que lui, de s’identifier à lui. Je reprends les mots de Baudelaire qui parlait de l’imagination comme l’art de « faire surgir les rapports intimes et secrets des choses, les correspondances et les analogies ». C’est une « faculté de connaissance ». Nous apprenons toujours.

Et si nous ne serons jamais seuls au théâtre, la valeur, la pertinence et la force de ce prix Siminovitch est de rappeler que cet élan collectif d’une création théâtrale est d’abord constitué de l’unicité de la voix singulière de chaque artiste qui y participe. Et c’est comme artiste, toute seule ce soir devant vous, que je reçois avec reconnaissance cet éclairage sur mon travail comme un immense encouragement et une grande inspiration à le poursuivre, autant qu’à transmettre à mon tour aux autres qui commencent ce que j’ai appris et ce qui me passionne.

Merci de votre attention.