Perspectives émergentes : Mayumi Ide-Bergeron

Mayumi Ide-Bergeron and cast in Mizushobai (The Water Trade), with headshot. Costume design by Mayumi Ide-Bergeron. Photo by A J Korkidakis.

Dernièrement, Mayumi Ide-Bergeron pense beaucoup à la Fée Clochette. Elle assiste la conceptrice d’accessoires Karine Cusson sur une nouvelle production de Peter Pan the Musical, et on leur a confié « la Fée Clochette », comme on appelle cette célèbre petite fée en français. Elle me raconte avoir revu tous les films de Tinkerbell faits pour la télévision – qui savait qu’il y en avait autant ? – et elle est frappée par la passion de Clochette pour le bricolage. « Elle essaie de fabriquer des choses utiles à partir d’objets aléatoires, explique-t-elle. Elle construit une voiture avec des écrous, ou elle assemble des trucs trouvés dans les déchets. » En tant que personne qui aime fabriquer des choses de ses mains depuis toujours, Ide-Bergeron se reconnaît bien là.

Ses étés d’enfance passés chez sa grand-mère à Bayfield, en Ontario, comprenaient souvent une sortie familiale au Stratford Festival tout proche, et elle attribue à une production de 2015 de Taming of the Shrew (La mégère apprivoisée) l’idée qu’elle pourrait combiner son amour des arts visuels avec le théâtre pour en faire une carrière. Après quelques années au Collège Lionel-Groulx à Sainte-Thérèse, elle est admise à l’École nationale de théâtre à Montréal. C’est là qu’elle vit aujourd’hui, travaillant, fait plutôt rare, à la fois en théâtre francophone et anglophone. Elle fait, selon ses mots, « le plus beau métier du monde » : « J’ai la chance de faire de l’artisanat et de l’art. Créer une pièce magique avec plein de nouvelles personnes? Rien de mieux. »

Les pratiques théâtrales anglophones et francophones peuvent être très différentes, jusque dans la façon de gérer les accessoires. Souvent, dans le théâtre anglophone, un seul concepteur est chargé à la fois du décor et des accessoires, alors qu’au Québec, il est plus courant que les accessoires aient leur propre concepteur attitré. « On m’a appelée pour concevoir les accessoires parce que le scénographe a dit clairement qu’il ne voulait pas s’occuper des “petites choses” », raconte Ide-Bergeron en riant. Elle conçoit aussi des décors et des costumes, mais elle a manifestement un faible pour les accessoires. Même son projet de scénographie à l’École nationale de théâtre avait un aspect très “accessoires” : à première vue, c’était une cuisine, mais remplie de détails qui se transformaient de manière inattendue – un porte-épices devenait une échelle, par exemple, et une porte de garde-manger se transformait en salle de bain. Depuis l’école, son œil pour le détail n’a fait que s’aiguiser. Elle raconte qu’elle regardait récemment une série hospitalière à la télé avec sa mère et qu’elle a remarqué que tous les classeurs dans le bureau de l’administrateur étaient vides.

Ide-Bergeron s’inspire de concepteurs multidisciplinaires comme Cédric Lord, qui dirige Le Salon Particulier à Montréal — un espace à la fois atelier de menuiserie, salle de répétition, galerie d’art et lieu de rencontre. « Mon bureau de rêve aurait un entrepôt pour les accessoires, tous les outils dont j’ai besoin, plein de tout », rêve-t-elle. « Je suis maximaliste pour les accessoires, et minimaliste pour tout le reste de ma vie. »

Ce minimalisme est sans doute influencé par son engagement envers la scénographie durable. « J’adore parler d’éco-conception », s’enthousiasme-t-elle. « Je suis une fille de la ville, mais je me sens vraiment vivante quand je suis en forêt, en randonnée. » À l’ÉNT, elle a suivi un cours avec la spécialiste des pratiques durables Anne-Catherine Lebeau, ce qui l’a menée à un emploi de chercheuse au sein de son organisme, Écoscéno, qui aide les compagnies artistiques à réduire leur empreinte environnementale. Cette expérience lui a ouvert les yeux sur les nombreux gaspillages de la production théâtrale conventionnelle, avec ses constructions à court terme, très consommatrices de ressources, souvent jetées à la fermeture du spectacle. Aujourd’hui, elle réfléchit à l’impact écologique dès le début de sa démarche : elle fait des recherches sur les matériaux durables, conçoit des structures réutilisables et fouille dans les friperies et les marchés « avec un accessoire en tête, en me demandant comment je peux faire avec ce que j’ai déjà ».

À l’avenir, Ide-Bergeron aimerait voyager pour le travail et souhaite élargir sa pratique afin d’y inclure le cirque et la danse, davantage de conception de costumes et, de manière générale, « apprendre autant de choses que possible ». Elle s’intéresse en ce moment à la fabrication du papier, une technique qu’elle compte explorer lors d’un prochain voyage au Japon. Elle y voyagera avec sa mentore Siminovitch, Sonoyo Nishikawa, qui lui a promis de la présenter à des artistes de théâtre sur place. Elles seront accompagnées d’Annick Bissonnière, Lauréate Siminovitch 2015, une autre rencontre rendue possible depuis qu’Ide-Bergeron a été nommée Protégée par Nishikawa.

Elle se réjouit à l’idée de passer plus de temps avec Nishikawa, tant au Japon que lors d’une résidence de deux semaines à Banff cet automne, offerte par la Fondation Siminovitch en partenariat avec le Centre national des Arts et le Banff Centre for Arts and Creativity. Elle se souvient : « Je me rappelle avoir vu son nom dans les crédits d’un spectacle auquel j’avais été engagée, et m’être dit : ça sonne japonais – j’étais super excitée. Elle habitait sur mon chemin du retour du théâtre ; je la ramenais parfois chez elle, et on avait l’occasion de discuter. Quand j’ai appris qu’elle était nommée, j’étais vraiment ravie pour elle, mais je n’ai jamais pensé qu’elle me choisirait. Maintenant, je suis beaucoup moins gênée de la contacter. On est allées voir quelques spectacles ensemble, et maintenant on planifie notre voyage. »

Les gens sont une grande part de ce qu’Ide-Bergeron aime dans le théâtre. Lorsqu’on lui demande comment ses collaborateurs pourraient la décrire, elle revient à Clochette. « Je suis bonne pour résoudre des problèmes avec les moyens que j’ai, » réfléchit-elle, « mais j’aime apprendre de nouvelles choses. Je bricole tout le temps. »

Mayumi Ide-Bergeron a été choisie comme Protégée de la Fondation de théâtre Siminovitch par la Lauréate 2024, Sonoyo Nishikawa.

Vanessa Porteous est artiste de théâtre, cinéaste et autrice basée à Calgary. De 2018 à 2021, elle a présidé le jury du prix de la Fondation de théâtre Siminovitch.

Mizushōbai (The Water Trade) at the Segal Centre Studio Space
Photo : A J Korkidakis

Playwright: Julie Tamiko Manning
Director: Yvette Nolan
Set Designer: Jawong Kang
Costume Designer: Mayumi Ide-Bergeron
Lighting Designer: Zoë Roux
Sound & Composition: Christine Lee
Graphic Design: A J Korkidakis

Cast: Yoshie Bancroft, Hanako Brierley, Brenda Kamino, Katelyn Morishita, Dawn Obokata

Perspectives émergentes : Hina Nishioka

Actors perform in a neon-lit nightclub-inspired set during Measure for Measure at Bard on the Beach Studio Theatre (2024), featuring performers in eclectic costumes with a live DJ and surreal props. Photo by Tim Matheson.

L’océan Pacifique est bien loin pour Hina Nishioka.

Aspirante danseuse de ballet au Japon, étudiante à l’Université de Victoria où une blessure au genou l’oriente vers le théâtre, membre de l’équipage d’un navire de croisière où elle découvre les projecteurs mobiles pour la première fois — et aujourd’hui, professionnelle de l’éclairage vivant à Vancouver — Hina Nishioka a toujours trouvé paix et joie près de l’océan. Mais cet été, c’est sur les rives du lac Ontario qu’elle pose ses valises, en tant qu’assistante conceptrice d’éclairage au prestigieux Festival Shaw. Pas une baleine en vue.

Cela dit, c’est une belle occasion — absorber les enseignements de concepteurs lumière renommés comme Bonnie Beecher et Kevin Lamotte. Apprendre, par exemple, à dialoguer avec les metteurs en scène, ou à “faire confiance au processus et avancer. Le détail viendra”, comme le dit Nishioka en citant Lamotte avec admiration.

Nishioka pense beaucoup à la lumière. À son arrivée au Canada, elle se souvient avoir tâtonné dans les intérieurs, cherchant plus de clarté. “Au Japon,” dit-elle, “on a des plafonniers dans toutes les pièces.” Son intérêt englobe les concerts rock, la danse, le cinéma, les événements commerciaux, ainsi que le théâtre. “La conception lumière, c’est presque comme être DJ pour la musique,” s’émerveille-t-elle, en repensant à son stage auprès de la conceptrice Gigi Pedron, qui tourne avec Queens of the Stone Age. “Ça transforme la musique, c’est certain.”

La conception lumière peut sembler mystérieuse, même pour les initiés du théâtre, qui aperçoivent parfois le ou la conceptrice pour la première fois lors d’une répétition générale, griffonnant des schémas ésotériques sur une tablette. Après avoir accroché — parfois — des centaines de projecteurs avec l’équipe technique, le véritable travail artistique commence. Le ou la conceptrice travaille souvent tard dans la nuit, sélectionnant les instruments nécessaires à chaque top, réglant l’intensité et les fondus, mélangeant les couleurs sur une palette numérique, et programmant des mouvements complexes en direct. C’est un processus à la fois hautement technique et soumis à une forte pression temporelle — mais aussi instinctif et spontané, une manière de peindre l’histoire du spectacle avec la lumière.

La lumière soutient le récit de multiples façons, explique Nishioka. Elle peut être réaliste, nous faisant passer d’une pièce baignée de soleil à une clairière éclairée par la lune. Ou bien elle peut plonger dans la métaphore, utilisant la couleur saturée, le rythme et le contraste pour élever un moment au-delà du temps présent. Dernièrement, Nishioka explore la théorie des couleurs, en particulier l’effet émotionnel des teintes. Elle étudie l’aquarelle pour ses infinies variations de nuances, de tons et de valeurs, et observe aussi comment la lumière est utilisée de façon compositionnelle dans les tableaux figuratifs. Une lumière vive peut mettre en valeur un personnage central, a-t-elle remarqué, mais quelqu’un à l’arrière-plan peut aussi être subtilement éclairé. “Et je ne veux pas perdre ce personnage en arrière-plan,” dit-elle, “car il pourrait devenir important dans une scène suivante. J’essaie d’éclairer tout le monde !” Elle rit. “Mais de façons différentes…”

Ce que Nishioka préfère dans le travail théâtral, ce sont les conversations, “voir les répétitions et écouter en cachette.” Peut-être en raison de son passé en danse, le rythme est crucial pour elle. Rien n’est plus satisfaisant qu’un top qui se termine exactement sur le mot visé.

En tant qu’artiste en début de carrière, Nishioka connaît bien l’incertitude financière. L’année de sa diplomation, la pandémie a mis fin aux spectacles en direct pendant deux saisons. Elle s’est tournée vers le cinéma et la télévision, et continue de travailler comme programmeuse dans les médias, la musique live, et plus récemment les événements corporatifs, pour compenser les faibles revenus du théâtre. Travailler à la fois comme programmeuse et conceptrice à travers autant de médiums lui donne une perspective unique — et un avantage. “J’ai plus de connaissances technologiques pour aider les concepteurs, et moi-même,” explique-t-elle, “à atteindre ce que je veux faire en conception lumière, avec des séquences complexes.”

Nishioka rêve un jour d’éclairer un ballet classique. Après tout, c’est par là qu’elle a commencé — et maintenant qu’elle a développé un regard de conceptrice et une sensibilité à la narration, nourrie par toutes ces conversations théâtrales — “j’adorerais essayer,” dit-elle. Swan Lake or something.”

Pour l’instant, elle puise son inspiration dans des endroits inattendus. Elle aime regarder des animés, en particulier les œuvres du grand Hayao Miyazaki. “Il accorde une telle attention à la provenance de la lumière,” s’émerveille-t-elle, “il crée de magnifiques ombres (…) qu’il utilise pour exprimer l’émotion. On peut le voir sur le visage des personnages quand l’émotion change.” En contraste, elle cite la série animée...  Mononoke, “à l’opposé complet de mon esthétique,” dit-elle, mais néanmoins stimulante dans son chaos coloré et organisé.

Mais c’est dans la nature que Nishioka semble puiser le plus d’inspiration. “Une chose qui est complètement différente au Japon, c’est la lune,” dit-elle. “Elle est plus blanche au Canada. Au Japon, on pense toujours à la lune comme étant jaune.”

Une chose est certaine : peu importe d’où elle vient, et où elle ira ensuite, Hina Nishioka regarde le monde entier les yeux grands ouverts — à la lumière.

Hina Nishioka est l’une des lauréates 2024 de la toute première Bourse pour artistes émergent·es de la Fondation du Prix Siminovitch.

Vanessa Porteous est artiste de théâtre, réalisatrice et autrice basée à Calgary. De 2018 à 2021, elle a été présidente du jury du Prix Siminovitch.

Photographie : Measure for Measure au Bard on the Beach Studio Theatre (2024), photo de Tim Matheson ; mise en scène de Jivesh Parasram ; scénographie de Ryan Cormack ; costumes d’Alaia Hamar ; éclairages de Hina Nishioka ; interprètes : Scott Bellis, Leslie dos Remedios et Craig Erickson.