Emerging Perspectives: Mary-Lee Picknell

Heimat / revenir by Mary Lee Picknell

Actress and playwright Mary-Lee Picknell is more than happy to conduct our interview in Franglais, that quintessentially Canadian mash-up of our two official languages. Born, raised, and based in Québec City, Picknell is fluently bilingual, and more. “I’ve always been a language enthusiast,” she explains. “When I was a teenager I used to play Scrabble online with strangers, and make friends in chat groups speaking English.” She studied English in high school and college, followed by German and Spanish – all this before attending the acting program at the Conservatoire d’art dramatique de Québec.

Multilingualism even shows up in her writing. The title of her first produced play, Heimat/Revenir, for which she recently won the Prix Littéraire de la ville de Québec, combines the German word for homeland with the French for ‘to return’ and features language as a plot point: when two strangers on a bus discover they both speak German, one invites the other to his brother’s wedding, where she pretends to be his German girlfriend. “It became their secret language,” Picknell explains, “…they can switch and nobody understands… but also for the audience, there are no subtitles, they have their very own intimate world.”

Picknell is drawn to themes of games and role-playing. “The different parts we play in real life inspire me,” she explains. She offers an example: she spent some time working at the rehab centre where her mother worked, “and I could see my mom acting with her colleagues how she was at work, versus when she was at home.” She’s fascinated by this mutability in the human character. “When I was younger, some people used to tell me I was a chameleon … I thought this meant I had no personality. And now today I’m like, no, I guess that’s useful when it comes to writing, you know?” She even has the almost untranslatable French word mouvance tattooed on her thigh: movement, influence, ebb and flow.

It’s all connected to being an actor, she figures: a job she’s had for the past sixteen years, though she’s currently taking a break to focus on teaching, and of course writing, via several commissions and for Les Hébertistes, the independent theatre company she has co-founded with a friend. “When I write, I’m acting it in my head. I think we are all acting in real life. This barista right here,” she enthuses, gesturing to her surroundings, “is saying her lines: ‘Would you like some sugar in your coffee?’ these are lines, you know?”

Picknell is calling in online from a Québec City coffee shop, steps away from the theatre where Le Petit astronaute, a commission from the Théâtre du Trident, is on stage for its first day of technical rehearsals. It’s a spectacle with plenty of literal moving parts, which can be stressful for the team, so even though, as the writer, she doesn’t expect to be called upon much today, she wants to be within reach. As she says, “Tout près, mais prête.” Near but ready. Standing by.

Like the other three recipients of a Siminovitch Emerging Artist Grant, Mary-Lee Picknell was selected by a 2025 Finalist, in her case, Anne-Marie Olivier, a prominent actor, director, and artistic director, internationally renowned for her documentary-based solo creation work. When Picknell was a third year acting student, deep in self-doubt, she wrote Olivier a fan letter. Over the years since then, they’ve become colleagues and friends. For a project during the pandemic, Picknell was slated to read Olivier’s work to audiences over the phone, and she recalls Olivier herself pulling up on her bike the night before to hand her a signed copy of the script. “She has so much confidence in the people she loves,” Picknell observes. “I used to be afraid not to be intelligent enough. I’m more of an instinctive and humanist person… [but] she said no, no, you are a writer, and now I’m starting to be a little bit more confident about myself.”

Siminovitch Finalists and Emerging Artists are encouraged to undertake some form of collaboration during their nomination year. “So I asked her if she wanted to be my writing mentor, and she was like, ‘So you think you need that, do you?’ Anne-Marie is so loving, you know. But I was like, ‘Well yeah, everyone needs that.’ So she said ‘Sure, sure, I’ll do it, I’ll do it,’ so we’re going to take some time, and she’s going to mentor me.” In fact, the Siminovitch connection has already had an impact. “I guess the way she put me at her side with the Siminovitch was also a way for her to tell me, you… you matter,” Picknell says. “Which is not nothing, in my opinion, because she is one of my favourite authors and favourite artists in the province of Quebec.”

She talks a little about the scene in Québec City, perhaps a less familiar milieu to the rest of Canada than Montreal. Like many theatre artists in the province, Picknell works in both cities, and beyond, but she’s happily settled in Québec City. “…There’s one theatre school,” she explains, “so it’s pretty special. Most of us had the same teachers, the same formation. There’s a feeling of community that is very strong.”

As though to illustrate the point, the director of Le Petit astronaute has suddenly appeared in the café, signaling to Picknell from off screen with a request to expand on a written image, to cover a set move that’s turning out to be a bigger deal than anticipated. Picknell ponders. Maybe the character could say ‘Mon char est pogné dans la neige,’ my car’s stuck in the snow, and then two people could rush over to help push the set piece off stage? She’ll work on it after we sign off.

Plus, “I think maybe she also came over to say thank you for being on call. Voilà,” she says, grinning and leaning in, “it’s going well.”

– Vanessa Porteous

 

 


 

Marie-Lee Picknell is an actor and playwright based in Québec City. Her first produced work Heimat/Revenir won the 2026 Prix Littéraire de la ville de Québec. It is the first time a playscript has been nominated, and awarded the prize. Her adaptation of Jean-Paul Eid’s Le Petit Astronaute has its world premiere at the Théâtre du Trident in April/May 2026. She is currently working on a new play.

Vanessa Porteous is a theatre artist, teaching artist, and writer based in Calgary. From 2018 to 2021 she was Jury Chair for the Siminovitch Prize.

Photo : “Heimat-revenir” produced by Théâtre La Bordée (2024), script by Mary-Lee Picknell. Photo by Vincent Champoux.

Emerging Perspectives: Howard Dai

2 mars 2026

« Au lieu de simplement m'acharner, j'étais plutôt un explorateur. Je parcourais chaque recoin de la carte. »

C'est ainsi que le metteur en scène Howard Dai répond à une question sur les jeux vidéo auxquels il jouait lorsqu'il était enfant. Mais il est difficile de ne pas voir un lien avec la façon dont il occupe son temps aujourd'hui, alors qu'il a atteint l'âge mûr de vingt-neuf ans. Le travail de Dai couvre de nombreux domaines. Il a conçu des œuvres multilingues intégrant la réalité augmentée, lors de résidences numériques dans des lieux tels que le PeekFest de l'Impulse Theatre, le Rumble Theatre, le PuSh Festival et le Royal Court au Royaume-Uni, et a créé des pièces radiophoniques pour enfants basées sur les fêtes chinoises, en tant que membre du Five Blessings Collective. Il a joué dans la première mondiale de Salesman in China au Stratford Festival, et travaille comme concepteur sonore, directeur technique et programmeur interactif, tout en poursuivant ses propres créations inclassables, dans et autour de la célèbre scène indépendante de Vancouver.

Et Dai n'a pas fini d'explorer. Grâce à une soubvention pour artistes émergents de la Fondation de théâtre Siminovitch, il s'est acheté un ordinateur portable suffisamment puissant pour accueillir un logiciel de conception de projections à la pointe de la technologie. Pendant son temps libre, il suit des tutoriels sur YouTube et réalise de petits projets, dans le but d'intégrer cette technique à son propre travail, mais aussi, comme il le dit lui-même, « de mettre mes compétences au service de compagnies de théâtre pour créer des choses amusantes ». Ce qui l'intéresse, c'est l'aspect interactif. Il adore l'idée « qu'un spectateur réagisse à un son, interagisse avec une œuvre d'art, fasse des choses avec elle, voie la cause et l'effet en temps réel ».

Pour quelqu'un qui s'intéresse autant à la technologie, l'intérêt de Dai pour le théâtre peut sembler surprenant à première vue. « Je ne regarde pas vraiment de films ni la télévision, dit-il, cela ne m'a jamais intéressé. Pour une raison que j'ignore, je n'ai jamais vraiment aimé l'idée de rester chez moi à regarder un film. J'ai toujours eu l'impression que je pouvais sortir et faire quelque chose de plus utile. » 

Tout semble revenir à cette idée d'interactivité. Dai souligne que tous les événements théâtraux, même les pièces conventionnelles, se caractérisent par le fait que le public se trouve dans le même espace que les acteurs, et il est évident qu'il aime que cette relation soit vivante. « Ce qui m'agace dans les spectacles, dit-il, c'est quand j'ai l'impression que je n'ai pas besoin d'être là. » Selon lui, la technologie n'est pas un mécanisme de diffusion passif et unidirectionnel, comme lorsque vous êtes allongé sur votre canapé à la maison, en train de parcourir une série d'options sur une plateforme de streaming. C'est tout le contraire. Dai pense que l'utilisation inventive de la technologie peut inciter le public à s'impliquer et à jouer. « Je crée des œuvres interactives afin que le public ait le sentiment de participer à ce qu'il vit », explique-t-il. Même lorsque le spectacle est terminé, Dai apprécie l'ambiance du théâtre : « Vous êtes immédiatement en contact avec les gens, vous pouvez partager cette énergie ensemble. Que ce soit bon ou mauvais, vous faites partie d'une communauté. »

Né au Canada, Dai a vécu à Taipei de l'âge de cinq à douze ans. Lorsqu'il est revenu à Vancouver avec sa mère, à l'adolescence, les salles de théâtre et de musique sont devenues son refuge, « non pas parce que je suis doué pour la musique, mais pour ce que cela me faisait ressentir ». En huitième année, il faisait partie de l'équipe technique étudiante pour Grease. Le soir de la dernière représentation, un professeur, percevant clairement une sorte de nostalgie en lui, l'a emmené dans la loge, lui a trouvé un costume et l'a invité à monter sur scène pour le final. Dai dit qu'avec le recul, il y a toujours eu un artiste en lui, mais que cette expérience a consolidé sa place dans la communauté théâtrale : « Si vous avez la chance de trouver des personnes avec lesquelles vous pouvez être, dit-il, restez avec elles. »

Dai qualifie son passage au programme de baccalauréat en beaux-arts, théâtre et arts de la scène de l'Université Simon Fraser d'« école de création », un lieu inspirant et stimulant où ses camarades et lui recevaient chaque semaine du matériel, des paramètres et une date limite pour créer quelque chose. De nos jours, le temps passé en studio est précieux, surtout dans une ville aussi chère que Vancouver, et Dai passe donc beaucoup de temps derrière son ordinateur portable à s'occuper de la logistique. Mais cela ne le dérange pas. « J'adore les tableurs, dit-il. Je pense que je suis très doué pour ça, je pense que les tableurs font partie intégrante de mon processus. Ainsi, lorsque j'arrive au studio, je suis prêt à créer. » Il apporte ce qu'il appelle son « kit de conception », deux sacs fourre-tout remplis d'objets tels que du fil de pêche, des cordes élastiques, des chutes de tissu et de nombreux types de ruban adhésif. Il a découvert que ces objets sont utiles à avoir sous la main lorsqu'il faut bricoler quelque chose rapidement. 

Son projet actuel s'inspire de l'extravagance et de l'effervescence des tirages au sort télévisés dont il se souvient depuis son enfance à Taïwan. Intitulé Dream Machine, il s'agit d'une installation interactive à grande échelle qui transforme les rêves et les aspirations du public en jeu. Il est fasciné par l'image des boules numérotées qui rebondissent dans le tambour, chacune représentant une possibilité, un morceau du futur hypothétique de quelqu'un. « L'une des premières choses que j'ai essayées a été de rassembler beaucoup de balles de ping-pong dans mon studio », se souvient-il. « Que pouvons-nous faire avec ? » Depuis, l'œuvre a évolué à travers plusieurs laboratoires et ateliers avec Rumble Theatre et rice & beans theatre, où Dai est artiste associé. « Chaque fois que je réalise Dream Machine, dit-il, j'ai l'impression de m'entraîner à animer une fête d'anniversaire. » Il prévoit un dernier atelier avant la fin de l'année 2026, après quoi la pièce sera prête à être produite.

Sa mentor Siminovitch, Adrienne Wong, finaliste 2025, lui apporte son soutien lors de leurs réunions mensuelles. Leur relation remonte à l'adolescence de Dai. Elle « m'a vraiment inspiré dans ma quête de création théâtrale à l'aide de la technologie », explique-t-il. En ce qui concerne cette pièce, elle continue de l'aider à « repousser les limites au-delà de ce qui est conventionnel dans la forme. Chaque fois que je crée une nouvelle œuvre, explique-t-il, j'ai l'impression d'explorer une nouvelle dramaturgie. »

Pour l'instant, il passe plus de temps sur son ordinateur portable, chez lui, dans l'appartement qu'il partage avec sa mère. La rue où ils vivent est calme par rapport à Taipei, un endroit « débordant de stimuli, que j'adore », dit-il. Mais la télévision de sa mère est généralement allumée en arrière-plan pendant qu'il travaille, et « c'est ce son qui me fait me sentir chez moi ».

Howard Dai est un acteur, écrivain, metteur en scène et artiste de théâtre taïwanais basé sur les terres non cédées appartenant aux nations xʷməθkʷəy̓əm, Skxwú7mesh et səl̓ilwətaɁɬ, connues sous le nom colonial de Vancouver. Il a été sélectionné par Adrienne Wong, finaliste du Prix Siminovitch 2025, pour un subvention pour artiste émergent de la Fondation de théâtre Siminovitch. https://howarddai.com/

Écoutez les pièces radiophoniques pour enfants de Five Blessings ici !

Howard Dai a été sélectionné comme protégé de la Fondation Siminovitch pour les arts du théâtre par Adrienne Wong, finaliste 2025.

Vanessa Porteous est artiste de théâtre, réalisatrice et autrice basée à Calgary. De 2018 à 2021, elle a été présidente du jury du Prix Siminovitch.

Photo: Salesman in China (2024) - mise en scène Jovanni Sy au Festival de Stratford – photo David Hou

Perspectives émergentes : Mayumi Ide-Bergeron

Mayumi Ide-Bergeron and cast in Mizushobai (The Water Trade), with headshot. Costume design by Mayumi Ide-Bergeron. Photo by A J Korkidakis.

Dernièrement, Mayumi Ide-Bergeron pense beaucoup à la Fée Clochette. Elle assiste la conceptrice d’accessoires Karine Cusson sur une nouvelle production de Peter Pan the Musical, et on leur a confié « la Fée Clochette », comme on appelle cette célèbre petite fée en français. Elle me raconte avoir revu tous les films de Tinkerbell faits pour la télévision – qui savait qu’il y en avait autant ? – et elle est frappée par la passion de Clochette pour le bricolage. « Elle essaie de fabriquer des choses utiles à partir d’objets aléatoires, explique-t-elle. Elle construit une voiture avec des écrous, ou elle assemble des trucs trouvés dans les déchets. » En tant que personne qui aime fabriquer des choses de ses mains depuis toujours, Ide-Bergeron se reconnaît bien là.

Ses étés d’enfance passés chez sa grand-mère à Bayfield, en Ontario, comprenaient souvent une sortie familiale au Stratford Festival tout proche, et elle attribue à une production de 2015 de Taming of the Shrew (La mégère apprivoisée) l’idée qu’elle pourrait combiner son amour des arts visuels avec le théâtre pour en faire une carrière. Après quelques années au Collège Lionel-Groulx à Sainte-Thérèse, elle est admise à l’École nationale de théâtre à Montréal. C’est là qu’elle vit aujourd’hui, travaillant, fait plutôt rare, à la fois en théâtre francophone et anglophone. Elle fait, selon ses mots, « le plus beau métier du monde » : « J’ai la chance de faire de l’artisanat et de l’art. Créer une pièce magique avec plein de nouvelles personnes? Rien de mieux. »

Les pratiques théâtrales anglophones et francophones peuvent être très différentes, jusque dans la façon de gérer les accessoires. Souvent, dans le théâtre anglophone, un seul concepteur est chargé à la fois du décor et des accessoires, alors qu’au Québec, il est plus courant que les accessoires aient leur propre concepteur attitré. « On m’a appelée pour concevoir les accessoires parce que le scénographe a dit clairement qu’il ne voulait pas s’occuper des “petites choses” », raconte Ide-Bergeron en riant. Elle conçoit aussi des décors et des costumes, mais elle a manifestement un faible pour les accessoires. Même son projet de scénographie à l’École nationale de théâtre avait un aspect très “accessoires” : à première vue, c’était une cuisine, mais remplie de détails qui se transformaient de manière inattendue – un porte-épices devenait une échelle, par exemple, et une porte de garde-manger se transformait en salle de bain. Depuis l’école, son œil pour le détail n’a fait que s’aiguiser. Elle raconte qu’elle regardait récemment une série hospitalière à la télé avec sa mère et qu’elle a remarqué que tous les classeurs dans le bureau de l’administrateur étaient vides.

Ide-Bergeron s’inspire de concepteurs multidisciplinaires comme Cédric Lord, qui dirige Le Salon Particulier à Montréal — un espace à la fois atelier de menuiserie, salle de répétition, galerie d’art et lieu de rencontre. « Mon bureau de rêve aurait un entrepôt pour les accessoires, tous les outils dont j’ai besoin, plein de tout », rêve-t-elle. « Je suis maximaliste pour les accessoires, et minimaliste pour tout le reste de ma vie. »

Ce minimalisme est sans doute influencé par son engagement envers la scénographie durable. « J’adore parler d’éco-conception », s’enthousiasme-t-elle. « Je suis une fille de la ville, mais je me sens vraiment vivante quand je suis en forêt, en randonnée. » À l’ÉNT, elle a suivi un cours avec la spécialiste des pratiques durables Anne-Catherine Lebeau, ce qui l’a menée à un emploi de chercheuse au sein de son organisme, Écoscéno, qui aide les compagnies artistiques à réduire leur empreinte environnementale. Cette expérience lui a ouvert les yeux sur les nombreux gaspillages de la production théâtrale conventionnelle, avec ses constructions à court terme, très consommatrices de ressources, souvent jetées à la fermeture du spectacle. Aujourd’hui, elle réfléchit à l’impact écologique dès le début de sa démarche : elle fait des recherches sur les matériaux durables, conçoit des structures réutilisables et fouille dans les friperies et les marchés « avec un accessoire en tête, en me demandant comment je peux faire avec ce que j’ai déjà ».

À l’avenir, Ide-Bergeron aimerait voyager pour le travail et souhaite élargir sa pratique afin d’y inclure le cirque et la danse, davantage de conception de costumes et, de manière générale, « apprendre autant de choses que possible ». Elle s’intéresse en ce moment à la fabrication du papier, une technique qu’elle compte explorer lors d’un prochain voyage au Japon. Elle y voyagera avec sa mentore Siminovitch, Sonoyo Nishikawa, qui lui a promis de la présenter à des artistes de théâtre sur place. Elles seront accompagnées d’Annick Bissonnière, Lauréate Siminovitch 2015, une autre rencontre rendue possible depuis qu’Ide-Bergeron a été nommée Protégée par Nishikawa.

Elle se réjouit à l’idée de passer plus de temps avec Nishikawa, tant au Japon que lors d’une résidence de deux semaines à Banff cet automne, offerte par la Fondation Siminovitch en partenariat avec le Centre national des Arts et le Banff Centre for Arts and Creativity. Elle se souvient : « Je me rappelle avoir vu son nom dans les crédits d’un spectacle auquel j’avais été engagée, et m’être dit : ça sonne japonais – j’étais super excitée. Elle habitait sur mon chemin du retour du théâtre ; je la ramenais parfois chez elle, et on avait l’occasion de discuter. Quand j’ai appris qu’elle était nommée, j’étais vraiment ravie pour elle, mais je n’ai jamais pensé qu’elle me choisirait. Maintenant, je suis beaucoup moins gênée de la contacter. On est allées voir quelques spectacles ensemble, et maintenant on planifie notre voyage. »

Les gens sont une grande part de ce qu’Ide-Bergeron aime dans le théâtre. Lorsqu’on lui demande comment ses collaborateurs pourraient la décrire, elle revient à Clochette. « Je suis bonne pour résoudre des problèmes avec les moyens que j’ai, » réfléchit-elle, « mais j’aime apprendre de nouvelles choses. Je bricole tout le temps. »

Mayumi Ide-Bergeron a été choisie comme Protégée de la Fondation de théâtre Siminovitch par la Lauréate 2024, Sonoyo Nishikawa.

Vanessa Porteous est artiste de théâtre, réalisatrice et autrice basée à Calgary. De 2018 à 2021, elle a été présidente du jury du Prix Siminovitch.

Mizushōbai (The Water Trade) at the Segal Centre Studio Space
Photo : A J Korkidakis

Playwright: Julie Tamiko Manning
Director: Yvette Nolan
Set Designer: Jawong Kang
Costume Designer: Mayumi Ide-Bergeron
Lighting Designer: Zoë Roux
Sound & Composition: Christine Lee
Graphic Design: A J Korkidakis

Cast: Yoshie Bancroft, Hanako Brierley, Brenda Kamino, Katelyn Morishita, Dawn Obokata